abril 5th, 2019

Desvaneceres

 

No sé qué me ha sentado peor, si leer que 450 discapacitados están ayudando a artistas a pintando silos en Castilla la Mancha, saber que mi querido pueblo, Plasencia, ya tiene su festival de arte urbano por todo lo grande o que se ha malogrado el proyecto mas importante que tenía en los próximos meses. Me lo tengo que pensar…

 

 

Para compensar, otras dos buenas noticias: que a JR se le han volado todos sus palelitos del Louvre (justicia poética) y que he ganado una pequeña batalla personal contra los malos, por unos derechos de autor pisoteados.

 

 

Con un estado de animo tendente a la desaparición de todo tipo de escenarios, que total para lo que hay que estar…, me parece oportuno dejar por aquí uno de los trabajo de Kansuke Yamamoto, My Thin-Aired Room, (1956) una serie de 4 fotografías que retratan con una secuencia narrativamente la evaporación del propio artista en el contexto de una habitación.

 

 

Una escenificación fotográfica de corte surrealista llena de belleza y poética que cuentan un momento congelado de la vida interior del creador y que a mi me parece una pura inspiración.

 

 

Además, este trabajo como casi todos los suyos, es una protesta contra la represión ideológica que se vivía en su contexto artístico.

 

 

Y luego está el misterio de la manzana que aparece y desaparecen en la primera foto de la secuencia…, algo debe significar.

Sólo añadir que me gustaría tener tan buen desaparecer como este señor y que merece la pena dedicar un rato a su trabajo, el resto de sus fotos son maravilla.

Las imágenes las he sacado de aquí.

marzo 26th, 2019

Imágenes con mucho movimienton

 

Pocas ganas de contar nada, que estoy agotada, así que hoy toca visionado de trabajos que hablan por sí mismos.

 

 

Son de Zbigniew Rybczyński, autor polaco que lleva trabajando desde los años 70 en películas y cortos animados así como en videos comerciales y musicales, siendo uno de los primeros directores que decidió trabajar con tecnología de televisión de alta definición HDTV.

 

 

En sus trabajos mas personales, el director manipula tiempo y espacio sin interesarse mucho por la realidad, toma prestado libremente de todo lo que encuentra a su alrededor según sea necesario. No trata de buscar temas profundos sino que se centrar en una nueva percepción de eventos triviales.

 

 

Dicen de él: Rybczyński pertenece a la línea de los descendientes de Mélies, los artesanos cinematográficos que combinan una extraordinaria imaginación plástica con una aptitud para inventar y construir, y están dotados de paciencia benedictina. 

 

 

Para saber mucho mas, os dejo este artículo y yo me quedo por aquí embobada mirado sus trabajos sobre todo Tango, tremenda versión del camarote de los Hermanos Marx donde todos conviven y se mueven sin interactuar ni interceptarse entre ellos…

 

 

Y después me voy a tragar la maravillosa The Orquestra.

 

marzo 24th, 2019

Reorganizando el contexto

 

Moviéndome mínimamente por parte del mas emergente y deslumbrante continente asiático, me he podido dar cuenta de que en sus megaurbes futuristas, lo que «se lleva» son los grandes espacios urbanos de ocio dedicados monográficamente a interpretar la naturaleza. Sofisticadas áreas pseudonaturales, no públicas, en las que se diseña, tunea, y doma lo verde, se coloca en ecosistemas creados por fantasiosos arquitectos, y se le injerta con tecnología punta para conseguir una experiencia 360 grados.

 

 

Si me paro a pensarlo, son como los parques temáticos de toda la vida, esos de cartón piedra, pero estos con una apariencia de película futurista de lo mas distópicas. Aquí también hay que pagar para disfrutar de árboles artificiales con apariencia casi real, pero que hacen la fotosíntesis gracias a grandes proyectores, con olores creados mediante algoritmos asociados a cada visitante, y que de noche se iluminan, cambiado de colores al gusto del artista invitado, todo con fondo musical creado con un programa que sonoriza la posición de las alineaciones astrales… por supuesto absolutamente autoabastecido, y ecológico y sostenible.

 

 

Mucho miedo, sí señor y muy caro todo también. El rico con la familia en vez de ir al campo a ver a la abuela, se mete para el cuerpo un espectáculo verde bien producido con oxigeno enriquecido, y el pobre que se ponga a mirar el salvapantalla del Window 95, si acaso.

 

 

Y al hilo de esta cosa tan apocalíptica que me ha salido, perdón, dejo por aquí el trabajo de Yuge Zhou, una artista china que se fue a vivir a EEUU y que desde una visión oriental se enfrenta a un mundo nuevo y desconocido, que mediante su cámara trata de conocer y hacer suyo.

 

 

Crea interesantes collages de video en los que recoge imágenes de este nuevo escenario en el que se encuentra luego las corta, recompone y ordena, con la intención de humanizarlas a su gusto, y transformarlas en un universo propio en el que sentirse protegida.

 

 

Cuenta esto la propia artista: Hace una década, dejé mi hogar en Beijing, donde la rápida transformación del paisaje urbano cambió radicalmente la vida de la ciudad y la gente, y vine a Estados Unidos para comenzar el viaje de un inmigrante. Desde China hasta América, y desde la costa este hasta el Medio Oeste, me he sentido profundamente intrigada por los espacios urbanos naturales y construidos que he recorrido y vivido: las características distintivas de estos espacios y el idealismo colectivo, la actitud y el ritmo de Las actividades de sus ciudadanos, que me resultan familiares y misteriosas.

 

 

El trabajo se origina en un simple deseo de hacer que las personas conozcan y reconsideren sus relaciones con el entorno, tanto en el mundo físico como en el psicológico en el que viven. Con la cámara como una extensión de mi visión, documento las «actuaciones sin entrenamiento» de Momentos cotidianos dentro de sus espacios confinados y reorganice y reúna estas documentaciones en escenas reunidas que a veces sugieren un fragmento narrativo incompleto, un cuento alegórico o una etapa en miniatura para contemplar, todo con un inesperado sentido de misterio, ansiedad, alegría o miedo. Este proceso de mirar y alterar me ayuda a destilar y comprender estos espacios y sus habitantes, no sin un impulso para poeticizarlos y transformarlos en mi propio universo psicológico de introspección y aislamiento.   

 

 

Las tomas fijas de la película estructural, así como la progresión del tiempo y el espacio en la pintura tradicional en pergamino chino han inspirado mi trabajo. La reconfiguración masiva del paisaje de Beijing a lo largo de mi juventud es también una lente a través de la cual se desarrolla el trabajo. Más que nada, el trabajo sale de las escenas que se desarrollan por casualidad frente a mi cámara. Cuando estas escenas se agregan, surge un ritmo, un ritmo esencial que de alguna manera define un lugar.

 

 

Moviéndome me dejó con un anhelo de arraigo e intimidad. Además de utilizar una perspectiva macro para retratar las comunidades públicas y el medio ambiente, también me interesan las historias y los espacios personales. Mi próxima serie explora las relaciones entre los miembros de mi familia en China y yo, en espacios confinados y en el contexto de años de separación completa en los que se encuentran muchos inmigrantes.

 

 

Mi medio de video digital elegido tiene para mí tanto un aspecto real como físico, mientras que permanece fundamentalmente inmaterial y efímero. Es un medio que cambia de forma, que a veces parece una pintura o una fotografía, y otras veces puede hacer ciencia y filosofía. Mi instalación siempre está compuesta de componentes digitales y físicos. Una de las técnicas que utilizo es el mapeo de proyección en los paneles de relieve, que mejora los destellos de las escenas y resalta la fisicalidad del video digital.

Pues eso… pasen y vean ustedes mismos el trabajo de esta artista, que yo sigo con mis Feeas, ellas son lo mejor que puedo hacer por mi propia supervivencia y la de la humanidad, je.

Para compensar tan malos augurios y montajes, os dejo este video, natural natural, y verdaderamente placentero. Es de Dimitar Karanikolov, está tomado en México, y nada manipulado…

 

marzo 18th, 2019

Armas empuñadas con mucho amor….

Días como estos en los que todo el mundo está especialmente alarmado con el incontrolado uso de las armas de fuego, ya sabéis…. la última masacre de Nueva Zelanda, junto con las ganas que yo misma siento de matar (metafóricamente hablando, por supuesto) a algunos que otros desconsiderados, veo hasta terapéutico, hacer hueco en el Ático a unas «cariñosas»  intervenciones llevadas a cabo por soldados, en las empuñaduras de sus pistolas.

 

A esta manifestación del Arte de las  Trincheras se le conoció como,Sweetheart Grips (bonita denominación), y  estuvo muy de moda durante la Segunda Guerra Mundial y gracias a ella, los soldados pudieron tener bien presentes a sus seres queridos en la contienda, incluso mientras disparaban a los enemigos. Tan pertinente todo…

 

 

Aunque las normas del ejercito no permitían que los soldados personalizaran sus armas, todos lo hacían de una manera u otra. Esto podría incluir nombres completos, iniciales, estrellas, nombres de unidades y símbolos, o cualquier cosa de importancia personal. Esta práctica se sabe que incrementó la moral al personalizar el equipo y creó un apego a objetos impersonales. También podría ayudar en la identificación de soldados muertos antes del uso generalizado de placas de identificación.

 

 

La cosa consistía en reemplazar las tradicionales empuñaduras de las pistolas por otras hechas por ellos mismos, con el fin de que sirvieran de de portarretratos de sus seres amados o deseados, «se guardaban» todo tipo de mujeres, las novias por supuesto, pero también actrices famosas, chicas anónimas pero ligeras de ropa, y yo que sé si incluso sus propias madres… todas ellas les miraban sonrientes mientras ellos mataban a lo que se les pusiese a tiro.

 

 

Este proceso de tuneado, requería de cierta maña, ya que la foto de la susodicha se debía proteger con una plancha de prexiglas, que se tallaba cuidadosamente para que se amoldara a la forma de la empuñadura. Así debía ser ya que no parece conveniente que la pistola resultara incómoda de agarrar. Curiosamente, este prexiglas, solía reciclarse de las ventanas de los aviones caídos durante la contienda. 

 

 

En la Segunda Guerra Mundial el uso de la fotografía ya estaba popularmente extendido y eso permitía que los soldados llevaran a sus mujeres cerca siempre, escondidas en cualquier parte del uniforme, en objetos personales como cascos, cantimploras…y como ya he dicho, también en el arma reglamentaria, de esta manera la frase de «contigo hasta la muerte» adquiría un valor más textual.

 

 

Queda abundante documentación sobre estos curiosos ejemplares de armas intervenidas, y desde ya mismo anuncio que no voy a cejar en el empeño de buscarme una para mi colección de rarezas.

 

 

No tengo mucho mas que contar, así que os dejo con las fotos, que son bien inquietantes… y prometo pronto, mas «arte de las trincheras», que tremendo temazo. Y es que últimamente, con tal de no enfrentarme a nada que huela mucho a arte contemporáneo, me pongo a perseguir cualquier cosa.

 

 

 

 

febrero 7th, 2019

Nieva en el laboratorio

 

Antes de que la primavera se me eche encima como por arte de magia, y se derrita toda la nieve a mi alrededor, dejo por aquí la última parte de mi acercamiento a los cristales de hielo, hablando del trabajo deUkichiro Nakaya, otro héroe de los copos de nieve. Él fue el primero en crearlos de manera artificial, allá por el 1936.

 

 

Nakaya nació cerca del Mar de Japón en 1900, en la misma región donde se ambienta el maravilloso libro de Suzuki Bokushi, Hokuetsu Seppu» (Snow Country Tales), y precisamente este libro fue el que inspiró su trabajo científico, ya que además de relatar historias locales relacionadas con la nieve y maravillosos dibujos, contenía más de 180 bocetos de copos de nieve naturales.

 

 

Su padre quiso que fuera ceramista (lo que son las cosas en Japón), pero él contraviniendo su deseo, estudio física experimental y se doctoró en ciencias por la universidad de Kyoto.

 

 

Trabajando en la Universidad de Hokkaido, con pocos recursos económicos pero con mucha nieve a su alrededor, decidió estudiar los copos que él consideraba «jeroglíficos enviados desde el cielo»con métodos científicos.

 

 

Con la ayuda de un microscopio, tomó más de 3.000 microfotografías de copos de nieve y, a partir de ellas, pudo establecer un sistema de clasificación de cristales de nieve natural en siete grupos principales y muchos grupos menores.

 

 

Después, en 1935 fundó el Laboratorio de Ciencias de Baja Temperatura para tratar de crear cristales de nieve artificial en el laboratorio.

 

 

Según leo: «Generó vapor de agua en un tubo de vidrio hueco de doble capa, que luego enfrío. La labor no era sencilla ya que en vez de formarse copos de nieve, los cristales de hielo crecían como orugas sobre el hilo de algodón que usaba para la nucleación.

 

 

Nakaya continúo con sus experimentos, cambiando el algodón por otros tejidos, sin éxito. Un día encontró un cristal de nieve en la punta de uno de los pelos de un abrigo de piel de conejo: este hallazgo le llevó a producir el primer cristal de nieve artificial.

 

 

Así 3 años después del primer intento, produjo un cristal de nieve en la punta de un pelo de piel de conejo en su laboratorio. En diciembre de 1937, tomó fotografías de varios tipos de nieve artificial cultivada artificialmente; estas imágenes se inspiraron en el libro Snow Crystals del fotógrafoWilson Bentley que acababa de publicarse.

 

 

Nakaya descubrió la manera en la que los diferentes patrones se producen en la naturaleza y publicó su Diagrama Nakaya, que describe la relación entre el vapor, la temperatura, la sobresaturación y el exceso de densidad de vapor en las nubes. 

 

 

Observando el diagrama de Nakaya hay dos circunstancias que inmediatamente saltan a la vista. Una es que los cristales relativamente simples comienzan a volverse más y más complejos a medida que aumenta la humedad; las formas estrelladas y con múltiples ramas sólo se forman en altísimas condiciones hídricas.

 

 

Segundo, se verifica que la forma general se comporta peculiar y dramáticamente en función de la temperatura, cambiando de formas de placa a formas columnares cuando la misma desciende, y revirtiendo lentamente a placas si la temperatura sigue bajando.

 

 

Interesante saber, como cuenta el propio autor, que en los experimentos con nieve artificial, tuvo muchos fallos, pero se maravilló al ver que había contratiempos similares en la nieve natural.

 

 

En ocasiones, los cristales que comenzaban a formarse correctamente, se malograban  tomando formas tortuosa que desafiaban cualquier intento de categorización. Tales rarezas no podían ser Identificadas como cristales y se consideraban fallas y había que comenzar de nuevo.

 

 

Cito textualmente: «Sin embargo en la nieve natural, también se pueden encontrar formas extrañas similares. Después de descubrir la primera irregularidad, se notan otras, una tras otra, en varias etapas de desarrollo que muestran que la nieve natural también puede fallar para nuestro gran alivio. Una vez que encontré el ejemplo más maravilloso de desarrollo fallido en la nieve natural y grité: «¡Vengan, han cometido otro error!» Mi asistente, el Sr. H., se asomó al microscopio y su rostro se iluminó con una sonrisa de felicidad. 

 

 

Para saber más sobre sus estudios, el libro Snow Crystals: Natural and Artificial recoge todos sus descubrimientos.

 

 

En 1988 un equipo en Wisconsin demostró, contra lo que se creía anteriormente, que dos copos de nieve pueden ser totalmente idénticos si el entorno en el que se forman es suficientemente parecido. Con distintos experimentos, consiguieron demostrar que sí que existen copos de nieve idénticos… ¡a veces el conocimiento no da la felicidad! en fin…

 

 

Para cerrar el circulo de los copos de nieve, dejo aquí el nombre de Masaru Emoto  un especialista en medicina alternativa japonés, conocido por sus controvertidas afirmaciones de que las palabras, oraciones, sonidos y pensamientos dirigidos hacia un volumen de agua influirían sobre la forma de los cristales de hielo obtenidos del mismo.

 

 

Masaru expone agua a la influencia de la música, las palabras y los pensamientos. Luego congela las muestras y les toma fotografías. Según afirma, las vibraciones positivas -provenientes de la música hermosa, las palabras de afecto o los pensamientos positivos- configuran cristales con una estructura hexagonal clara, simétrica y brillante, muy similar a la de la nieve. Las vibraciones negativas -del agua contaminada, la música estridente o las palabras de odio- dan lugar a formas caóticas, asimétricas y oscuras.

 

 

Hay muchísimo material en internet sobre este «misionero del agua» libros como Los mensajes del aguadocumentales yo lo dejo aquí y me voy a ojear el documental con todo el escepticismo del mundo.

 

 

las imágenes que adorna este post no son de Nakaya, sino del libro de Suzuki Bokushi, Hokuetsu Seppu, sus ilustraciones originales y también imágenes de una instalación de luz que llevó a cabo el artista Takahiro Matsuo a partir del él.

 

Perdón por el tocho que me ha salido… Que no vuelva a pasar!!!!!!!.

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