julio 24th, 2019

Péndulos callejeros

 

Llevo algo de tiempo intentando observar desde la distancia, toda la que puedo, lo que está pasando en la calle en relación a la cosa artística, y muchas pero que muchas veces, no puedo evitar lamentar haber sido parte activa en esta merde de intereses creados en la que se ha convertido todo esto… y estas últimas semanas la cosa ha llegado a límites bochornosos.

 

 

Ahora vendría una disertación sobre, miedos, censura, intereses políticos, comerciales, emocionales, participaciones ciudadanas inverosímiles, niños aprendiendo a usar el spray en los colegios… que me voy a ahorrar porque quiero acogerme al silencio para no tener que declarar en mi propia contra.

 

 

A medida que desciende mi interés por la actualidad artística urbana, se acrecienta en la nostalgia por tiempos pasados en los que todo esto era más «intrascendente y fresco» en los que no nos iba la vida en ello, tampoco el prestigio, la supervivencia económica ni los likes y podíamos hacer lo que en ese momento se nos pasaba por la cabeza sin mayor problema y sin tener que rendir cuentas en juicio público.

 

 

Y cada vez con mas frecuencia, me dedico a mirar encandilada, lo que pasaba en tiempos que no conocí, y que ahora me llega a través de malas fotos en blanco y negro y videos de apariencia casera.

 

 

Entonces, ya se usaba la calle como medio de expresión libre, acciones la mayoría de las veces ilegales y por supuesto mucho mas reivindicativas y políticamente incorrectas de las que ahora mismo nos podemos permitir. Que nos hemos vuelto unos puritanos y unos ñoños, no me cabe la menor duda, nuestros clientes, vecinos, políticos, compañeros de género y número así nos lo exigen y acatamos sin rechistar, por el bien de no sé exactamente de qué o quién…

 

 

Y ya me acerco a lo que quería mostraros Pendulum, una pieza del cineasta, músico y artista plastico James Nares,  que se atrevió a lanzar un gran péndulo con la apariencia de una pesada bola de demolición, sobre un callejón de TriBeCa.

 

 

Según se puede ver en un cuaderno de bocetos del propio artista que se expuso en la Galería Kasmin, disparó el péndulo desde una pasarela situada en medio de la calle, al tiempo que balancea la bola por un cable.

 

 

En la película el péndulo vuela a lo largo de la calle y me alucina lo vacía, abandonada y sucia que estaba la zona en aquella época, también me llama la atención cómo la gente andaba por ella sin plantearse que el pesado objeto volador pudiera variar su trayectoria y estamparse contra ellos, o quizás sabían que eso era imposible…

 

 

Cuando la cámara toma el punto de vista de la bola uno se queda fascinado y siente un gran placer visual imaginándose a uno volando por la calle y por qué no, derribando algún que otro edificio.

 

 

Esto ocurrió en 1976 e imagino que se hizo sin permiso municipal, sin una valoración de riesgos y sin seguros… Era esa una época en la que un artista podía hacer este tipo de intervenciones sin mayor problema y sin que los vecinos se soliviantarán, quizás es que no había muchos a los que molestar.

Además, la pieza parece ser premonitoria de lo que ocurrió después en esa zona de Manhattan, que fue prácticamente demolida para dar paso a una de las áreas más cotizadas de la ciudad. Una maravilla, oigan!!!!!.

 

Os dejo algunos ejemplos de películas callejeras de este artista, y os invito a ojear sus trabajos, incluso los más plásticos en los que él mismo se convierte en un péndulo, mientras con un gran pincel se balancea sobre el lienzo blanco pintando el movimiento.

Muchos artistas han trabajado con péndulos, quizás me de una vuelta un día de estos por ellos, pero seguro ninguno es tan bestia como este… y bueno, luego están los de William Forsythe, que son todo lo contrario…

mayo 31st, 2019

Polvo iluminado

 

Mucho silencio en este Ático, por no saber bien qué decir, que no encuentro mucho acomodo en estos tiempos que corren.

 

 

Así que lo de compartir temas artísticos como que no me dispone mucho… sobre todo porque tengo el peor concepto de los que lo hacen, lo difunden, lo financian, lo organizan, lo estrujan, lo critican, lo consumen y lo gobiernan.

 

 

Por lo que mejor me quedo mirando cómo flotan las partículas de polvo que entran por mi ventana, sin pararse a pensar en cosas de mayor enjundia.

 

 

Y esto en realidad me sirve para introducir una pieza increíble que Edith Dekyndt  presentó en la Bienal de Venecia en 20107 y en otros espacios.

 

 

La pieza se llama One Thousand and one Nights, y en ella el protagonista es el polvo y la luz.

 

 

Un montón de este casi inapreciable y poco querido elemento que nos rodea, recogido del propio lugar de exposición, que es colocado dentro de un rectángulo de luz proyectado en el suelo. Cada cierto tiempo el haz de luz se mueve unos centímetros y una persona entra en escena para volver a colocar cuidadosamente todo el polvo dentro  de la luz y así constantemente.

 

 

Mantener este volátil elemento a raya, me parece tarea de gran pericia y satisfacción, yo es que lo haría gustosa, y si después te preguntaran que a qué me dedico, podría decir que soy domadora de polvo. Ni tan mal.

 

 

Es Edith Dekyndt  una artista muy interesante con un lenguaje visual lleno de sensibilidad y coherencia estética. Ella usa materiales básicos que adquieren un valor inusitado en un entorno artístico gracias a su inusitada creatividad. 

 

 

Os dejo un artículo que lo explica todo mucho mejor que yo, ya he dicho mucho según están las cosas…  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

abril 5th, 2019

Desvaneceres

 

No sé qué me ha sentado peor, si leer que 450 discapacitados están ayudando a artistas a pintando silos en Castilla la Mancha, saber que mi querido pueblo, Plasencia, ya tiene su festival de arte urbano por todo lo grande o que se ha malogrado el proyecto mas importante que tenía en los próximos meses. Me lo tengo que pensar…

 

 

Para compensar, otras dos buenas noticias: que a JR se le han volado todos sus palelitos del Louvre (justicia poética) y que he ganado una pequeña batalla personal contra los malos, por unos derechos de autor pisoteados.

 

 

Con un estado de animo tendente a la desaparición de todo tipo de escenarios, que total para lo que hay que estar…, me parece oportuno dejar por aquí uno de los trabajo de Kansuke Yamamoto, My Thin-Aired Room, (1956) una serie de 4 fotografías que retratan con una secuencia narrativamente la evaporación del propio artista en el contexto de una habitación.

 

 

Una escenificación fotográfica de corte surrealista llena de belleza y poética que cuentan un momento congelado de la vida interior del creador y que a mi me parece una pura inspiración.

 

 

Además, este trabajo como casi todos los suyos, es una protesta contra la represión ideológica que se vivía en su contexto artístico.

 

 

Y luego está el misterio de la manzana que aparece y desaparecen en la primera foto de la secuencia…, algo debe significar.

Sólo añadir que me gustaría tener tan buen desaparecer como este señor y que merece la pena dedicar un rato a su trabajo, el resto de sus fotos son maravilla.

Las imágenes las he sacado de aquí.

abril 2nd, 2019

Agujeros de agua que conectan con el centro de la tierra

 

Encontré esto que me recordó a esto otro… y la realidad superó con creces la fantasía, supuestamente ilimitada, del artista.

 

 

Y esto me reafirma en un estado de animo en el que la realidad (no humana) me complace, por muy básica, aséptica, intervenida, deteriorada o chunga que esta se me presente.

 

 

Suelo encontrar en ella grandes motivos de regodeo artístico, veo situaciones y escenarios casuales que me encanta imaginar en contextos del arte, en los que gente deseando ser sorprendida por novedades estrafalarias, estaría dispuesta a otorgarles un gran valor creativo, con su consiguiente precio.

 

 

También encuentro en la realidad cotidiana, inspiración para algunos de mis trabajos, los que más me motivan, y me afano en localizar contextos en los que intervenir mínimamente pero de manera certera, como lo hace un microcirujano experimentado, por supuesto no lo consigo…

 

 

Pero bueno, hablemos de estos agujeros negros en el agua, que son mas interesantes que mis desvaríos artistiquillos.

 

 

El agujero negro que más me fascina mirar, está en el Lago Berryessa en California y aunque lo parezca, no es la magnífica entrada al centro de la tierra o al mismísimo infierno, en realidad se trata de una obra de ingeniería que funciona como drenaje de la presa, un aliviadero que entra en funcionamiento cuando el nivel de agua sube hasta un limite en el que hay peligro de desbordamiento.

 

 

Cuando el agua se eleva a más de 440 pies sobre el nivel del mar en el lago Berryessa, se derrama sobre el borde del que llaman Glory Hole, baja por el cono y desemboca en Putah Creek, al otro lado de la presa Monticello.

 

 

Aunque esta construcción no es la manera mas común de drenar agua en las presas, hay modelos similares por todo el mundo, como el Depósito Shing Mun en Hong Kong, la Presa Hungry Horse en Montana, el Lago Nekogahora en Japón y el Depósito Ladybower en Inglaterra. Para quedarse horas embobado viendo como el agua desciende hasta el interior de la tierra.

 

 

Para incluir una parte artística en este post, no puedo dejar de mencionar otros agujeros negros de ilustres artistas contemporáneos como son los de Pedro Motta, que se ha hecho bastante conocido tras su paso por Miami Art Basel 2018.

 

 

Este artista utiliza técnicas de retoque fotográfico o de intervención directa sobre los originales, para crear agujeros negros o aliviaderos al estilo de los anteriormente mencionados, que añade a fotografías que previamente ha tomado en cauces de ríos de su país, Brasil.

 

 

Dicen de su trabajo: Más que una cuestión política, la asimilación de estas imágenes conecta el pasado y el futuro incierto del país. El artista evoca elementos únicos del paisaje, hace visible lo extraño, la naturalidad, el territorio y la des-territorialidad.Todas las fotografías de la serie fueron tomadas en días de luna llena, evocando un clima de nostalgia y extrañeza en el paisaje. 

 

 

Esta serie en concreto se llama «River of Deaths» y la creo en el 2016, aunque yo recomiendo mirar otros trabajos que me parecen mas interesantes, por ejemplo Natureza das Coisas.

 

 

Claro está que no puedo dejar de mencionar, en esta selección de remolinos, el trabajo de Anish Kapoor, Descension, impresionante y misterioso, sin duda.

 

 

Esta pieza, altamente tecnológica, explora el comportamiento del agua para crear una escultura en movimiento. Se trata de un remolino de 26 pies de diámetro que converge en un punto central, como si el agua fuera succionada hacia las profundidades de la tierra.

 

 

Para que parezca infinita el agua se ha teñido de color negro, de manera que no se ve el fondo. Desde luego, la pieza tiene un impacto fascinante y resulta muy apropiada para inclinarse sobre ella y dejar volar la imaginación, y quizás los problemas.

Esta pieza se instaló por primera vez en La Bienal Kochi-Muziris de India como pieza en el interior de una galería. Después en 2015, Kapoor creó de nuevo la obra para su exposición en Versalles. En 2016, con motivo de La Noche en Blanco parisina, Descension se instaló en el Sena. De mayo a septiembre de 2017 en el Brooklyn Bridge Park de Nueva York. También estuvo en la Galería Continua de San Gimignano.

 

 

Y aquí dejo los agujeros de agua por hoy, que me voy a ahogar entre tantas aguas turbulentas…

 

 

marzo 24th, 2019

Reorganizando el contexto

 

Moviéndome mínimamente por parte del mas emergente y deslumbrante continente asiático, me he podido dar cuenta de que en sus megaurbes futuristas, lo que «se lleva» son los grandes espacios urbanos de ocio dedicados monográficamente a interpretar la naturaleza. Sofisticadas áreas pseudonaturales, no públicas, en las que se diseña, tunea, y doma lo verde, se coloca en ecosistemas creados por fantasiosos arquitectos, y se le injerta con tecnología punta para conseguir una experiencia 360 grados.

 

 

Si me paro a pensarlo, son como los parques temáticos de toda la vida, esos de cartón piedra, pero estos con una apariencia de película futurista de lo mas distópicas. Aquí también hay que pagar para disfrutar de árboles artificiales con apariencia casi real, pero que hacen la fotosíntesis gracias a grandes proyectores, con olores creados mediante algoritmos asociados a cada visitante, y que de noche se iluminan, cambiado de colores al gusto del artista invitado, todo con fondo musical creado con un programa que sonoriza la posición de las alineaciones astrales… por supuesto absolutamente autoabastecido, y ecológico y sostenible.

 

 

Mucho miedo, sí señor y muy caro todo también. El rico con la familia en vez de ir al campo a ver a la abuela, se mete para el cuerpo un espectáculo verde bien producido con oxigeno enriquecido, y el pobre que se ponga a mirar el salvapantalla del Window 95, si acaso.

 

 

Y al hilo de esta cosa tan apocalíptica que me ha salido, perdón, dejo por aquí el trabajo de Yuge Zhou, una artista china que se fue a vivir a EEUU y que desde una visión oriental se enfrenta a un mundo nuevo y desconocido, que mediante su cámara trata de conocer y hacer suyo.

 

 

Crea interesantes collages de video en los que recoge imágenes de este nuevo escenario en el que se encuentra luego las corta, recompone y ordena, con la intención de humanizarlas a su gusto, y transformarlas en un universo propio en el que sentirse protegida.

 

 

Cuenta esto la propia artista: Hace una década, dejé mi hogar en Beijing, donde la rápida transformación del paisaje urbano cambió radicalmente la vida de la ciudad y la gente, y vine a Estados Unidos para comenzar el viaje de un inmigrante. Desde China hasta América, y desde la costa este hasta el Medio Oeste, me he sentido profundamente intrigada por los espacios urbanos naturales y construidos que he recorrido y vivido: las características distintivas de estos espacios y el idealismo colectivo, la actitud y el ritmo de Las actividades de sus ciudadanos, que me resultan familiares y misteriosas.

 

 

El trabajo se origina en un simple deseo de hacer que las personas conozcan y reconsideren sus relaciones con el entorno, tanto en el mundo físico como en el psicológico en el que viven. Con la cámara como una extensión de mi visión, documento las «actuaciones sin entrenamiento» de Momentos cotidianos dentro de sus espacios confinados y reorganice y reúna estas documentaciones en escenas reunidas que a veces sugieren un fragmento narrativo incompleto, un cuento alegórico o una etapa en miniatura para contemplar, todo con un inesperado sentido de misterio, ansiedad, alegría o miedo. Este proceso de mirar y alterar me ayuda a destilar y comprender estos espacios y sus habitantes, no sin un impulso para poeticizarlos y transformarlos en mi propio universo psicológico de introspección y aislamiento.   

 

 

Las tomas fijas de la película estructural, así como la progresión del tiempo y el espacio en la pintura tradicional en pergamino chino han inspirado mi trabajo. La reconfiguración masiva del paisaje de Beijing a lo largo de mi juventud es también una lente a través de la cual se desarrolla el trabajo. Más que nada, el trabajo sale de las escenas que se desarrollan por casualidad frente a mi cámara. Cuando estas escenas se agregan, surge un ritmo, un ritmo esencial que de alguna manera define un lugar.

 

 

Moviéndome me dejó con un anhelo de arraigo e intimidad. Además de utilizar una perspectiva macro para retratar las comunidades públicas y el medio ambiente, también me interesan las historias y los espacios personales. Mi próxima serie explora las relaciones entre los miembros de mi familia en China y yo, en espacios confinados y en el contexto de años de separación completa en los que se encuentran muchos inmigrantes.

 

 

Mi medio de video digital elegido tiene para mí tanto un aspecto real como físico, mientras que permanece fundamentalmente inmaterial y efímero. Es un medio que cambia de forma, que a veces parece una pintura o una fotografía, y otras veces puede hacer ciencia y filosofía. Mi instalación siempre está compuesta de componentes digitales y físicos. Una de las técnicas que utilizo es el mapeo de proyección en los paneles de relieve, que mejora los destellos de las escenas y resalta la fisicalidad del video digital.

Pues eso… pasen y vean ustedes mismos el trabajo de esta artista, que yo sigo con mis Feeas, ellas son lo mejor que puedo hacer por mi propia supervivencia y la de la humanidad, je.

Para compensar tan malos augurios y montajes, os dejo este video, natural natural, y verdaderamente placentero. Es de Dimitar Karanikolov, está tomado en México, y nada manipulado…

 

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