agosto 5th, 2016

Pez, tinta y papel

Con un poco de retraso en las actualizaciones, de nuevo asomo la nariz por el Ático para regar y ya de paso dejar historias que me interesan y que se salen estrictamente de la cosa artística.

En este caso, comparto una técnica de estampación muy antigua, que empezó siendo un reclamo comercial en las pescaderías japonesas, para acabar considerándose una popular forma de estampación.

La disciplina se  llama Gyotaku y se practica sobre todo en Japón, de donde es originaria, siendo en la actualidad una práctica artístico poética muy popular, y en las que se consigue estampaciones únicas, que reflejan la belleza del mundo submarino y a la que acompañan textos poéticos alusivos a cualidades del pez representado.

 

Conocí este mural, en el libro de Joan Fontcuberta. “El beso de Judas. Fotografía y Verdad”, en el capítulo 4, titulado “Los peces de Enoshima”, escribía sobre esta antigua técnica de grabado, que algo tiene que ver con los antiguos daguerrotipo fotográfico.

 

Copio los primeros párrafos de este capítulo, porque no quiero, ni por asomo, hacer una reescritura de la literatura de Foncuberta, líbreme Dios.

 

 

“En Enoshima, una pequeña localidad pesquera cerca de Tokio, las barcas salen cada tarde a la mar. Al regresar, los pescadores seleccionan algunas de las piezas cobradas, las empapan de tinta e imprimen con ellas sus propios carteles. Los peces hacen las veces de nuestras planchas de grabado: la presión sobre el papel les permite transferir su propia imagen. Su tamaño, su silueta, la textura de sus escamas, la transparencia de sus aletas… Los pescadores solo se permiten el retoque de los ojos, una licencia que me gustaría creer más emparentada con la magia y el juego que con la obsesión realista de fidelidad al modelo. A continuación, con una caligrafía grácil anotan la clase, el peso y el precio del pescado. Cuelgan el cartel en el interior de su tienda, junto a los otros muchos peces que ese día están a la venta y que van desapareciendo a medida que los clientes los compran y se los llevan”.

 

 

Según leo en el blog Técnicas de grabado y copio textual: ”el Gyotaku es una forma de estampación muy extendida en algunos países asiáticos. Practicada por artistas, también es una actividad popular en las escuelas, en fiestas organizadas y en muchos programas turísticos de las zonas costeras. Se trata tanto de una experiencia creativa, como de un registro documental y una forma divertida de enseñar a los niños a reconocer las especies marinas.  Para este último fin, además de utilizar peces reales existen innumerables kits de plástico de todas las formas y colores.


Se originó a mediados del siglo XVIII, tal vez procedente de China, aunque las últimas investigaciones le dan su localización exacta en Japón. La impresión más antigua se remonta a 1862 durante la época Edo. Unos lo atribuyen a Lord Sakai, dirigente de la Prefectura de Yamagata y otros al samurai Naotsuna Ujiie. Indistintamente del pescador, el origen fue registrar las capturas de una buena noche de pesca, conservando la memoria de los trofeos mediante sus huellas. Un concepto tan hermoso como práctico. El artesano que los realizó quedó en el anonimato.

 

 

El término significa gyo-tah’-koo, “frotar” y “pescado”, una palabra registrada en la primera exposición celebrada en la Galería Matsuyade Tokio en 1955. Hay dos métodos para su realización: el método directo o chokusetsu-ho, en el que se aplica la tinta directamente sobre el pez y se deposita el papel encima frotando hasta obtener la impronta. Es de mayor dificultad, pero capaz de registrar con precisión las textura de las escamas y la transparencia de las aletas. El segundo, método indirecto okansetsu-ho es menos preciso y se realiza aplicando el color con una muñequilla sobre el papel apoyado sobre el animal.

 

 

Desde el punto de vista artístico muchos recogen la huella del animal con multitud de colores aplicando las técnicas del monotipo o iluminando la estampa; tampoco se limitan a estampar peces en solitario, sino que crean complejas composiciones que pueden incluir otras especies como cefalópodos, moluscos o crustáceos e, incluso, plantas y piedras. A veces el aspecto de estas impresiones es discutible desde el punto de vista estético, ya que su finalidad da más importancia al proceso y  a la fidelidad de la huella. Recuérdese que se originó con la identidad de autentificar la escala para que ningún pescador, vendedor o deportista, dudara del tamaño de una pieza si hubiera sido impresa por los medios veraces del gyotacu. Es conocida la oración…”Dios mio, permíteme pescar un pez tan grande que no tenga que volver a mentir a mis amigos”.

 

 

También contuvo connotaciones espirituales, de hecho la tinta que se utilizó fue la tinta Sumi, a la que se le conceden ciertas atribuciones mágicas para captar el alma de lo que representa. Su uso fue más allá de lo técnico para unirse al espíritu de las cosas. Analizado desde un punto de vista más prosaico, quizá este tipo de tinta fue utilizada por ser una sustancia acrílica derivada del carbón vegetal. Así el pez, una vez estampado, se disfrutaba por los placeres del alma, del orgullo…y también del paladar”.

 

 

Si tenéis curiosidad por practicar os dejo información aquí y aquí, y el trabajo de algunos artistas reconocidos que emplean esta técnica, como el maestro Mineo Ryuka YamamotoNaoki. Heather FortnerBarry SingerOdessa Kelley…

 

 

Y bueno, como el post me lo han dado hecho me voy a dedicar a ilustrarlo con imágenes que he sacado directamente de google, y tan rícamente.

 

 

mayo 30th, 2016

Dibujando con moho y bacterias

Después de tanto tiempo, bastante mas de 1 año, … vuelvo a pasear por mi Ático, en este momento lleno de polvo y sin mucha vegetación.

Tengo que empezar de nuevo, desbrozar y volver a dar lustre al espacio, y para ello me he puesto ropa limpia de trabajo aunque está algo amarillenta por el paso del tiempo, también llevo la cesta llena de mala conciencia por haber dejado que se marchitasen esas flores que tan cuidadosamente llevaba cultivando años y años, El Ático era el sitio de mi recreo, y quiero que vuelva a serlo, a ver si lo consigo.

No tengo muchas excusas por el abandono, sólo cierta indolencia, y que he sucumbido al consumo facilón y pasivo de las redes sociales, a casi todas las he estrujado y sacado jugo, mientras mi Feed ha ido languideciendo sin abono y saneamiento.

Quiero hacer mínimos cambios en los criterios de  selección de contenidos, sigo sin la intención de hablar sobre lo que otros habla, y en este momento el arte urbano es de lo que mas se habla, por lo que por aquí poco de esto habrá, quizás cosas pequeñas y que hayan pasado desapercibidos. Tampoco tendrán cabida las grandes gestas artísticas megalómanas, ni reportaré sobre las mas actuales exhibiciones del mundo galerías y museos (entre otras cosas porque estoy totalmente desconectada del tema)… vamos, en mi línea.

En este momento me apetece buscar con detenimiento pequeños hallazgos, en los que otras disciplinas creativas, la vida cotidiana, la naturaleza, la tradición, la ciencia, la tecnología, el cuerpo, las calles, o simplemente la casualidad,  flirtean con el arte para mejorarlo, según mi opinión…

Y para entrar en faena, hoy, os dejo un increible trabajo, que me va de perlas para ir desvelando mis actuales intereses. Se trata de Magical Contamination, de Antoine Bridier-Nahmias, un artista-científico que pinta maravillosos micromundos con bacterias y mohos sobre placas de Petri.

El artista, centra su atención en lo microscópico, y bajo su tutela, hongos y mohos, nos revelan toda su belleza, hasta convertirse en algo extrañamente fascinante gracias a la fotografía de altísima resolución.

Resulta mágico ver como unos organismos asociados a la putrefacción, y que constantemente tratamos de evitar a nuestro alrededor, enmarcados en las paredes transparentes de las placas, adquieren una apariencia artística, ordenada, equilibrada y matizada con delicados colores.

Según cuenta el artista, se vale de diferentes técnicas de laboratorio para conseguir tanta variedad de placas, aplica distintas temperaturas, grados de oxigeno, combinación de materias orgánicas… pero los microorganismo que finalmente crecen, son contaminaciones surgidas del mas absoluto azar, no hay patrones preestablecidos.

El gris de la materia orgánica es el color predominante en sus composiciones, y a veces se interrumpe con toques de color, poniendo de manifiesto un fenómeno que es a la vez natural y artificial. Esta grisura que encontramos en estas materias naturales, y que evoca en nosotros sospecha y miedo de descomposición, puede causar en nosotros un renovado sentido inesperado, de la magia, la sorpresa y la maravilla.


Conocí el trabajo a través del Tumblr del autor.


 

 

 

 

abril 14th, 2014

Cristal emisor de sonido y luz

Aunque Bohyun Yoon no es nuevo en el Ático y ya he dicho a diestro y siniestro que me encanta su trabajo de descomposición de cuerpos mediante espejos… una maravilla…. Hoy, quería invitarlo de nuevo y repasar sus trabajo con cristales, que me parecen de gran sensibilidad tanto estética como conceptualmente hablando.

 

 

Sobre todo me apetecía centrarme en su pieza Glassorganism en la que recoge planteamientos y soluciones estéticas que ya nos había presentado en trabajos anteriores.
Para llevarla a cabo. el artista utiliza antiguos juguetes tradicionales de cristal  japonés llamados “Popen” objetos de gran valor histórico que producían sonidos al interactuar con el aire soplado.

En los templos budistas, la tradición manda que se coloquen campanas de cristal, con el fin de “ver” el viento y eso es lo que ha pretendido Bohyun Yoon , dibujar el sonido para visualizarlo, convertido en un universo cambiante de microorganismos o estrellas luminosas que explosionan en el cosmos.
 Según cuenta el artista, le interesa el contraste de los gestos violentos con la música armoniosa y la acción de control que hay que ejercer para que acabe sucediendo el milagro.

octubre 7th, 2012

Andando bajo la lluvia, sin mojarse


Rain Room es una impresionante instalación de cien metros cuadrados de agua de lluvia, a través de la cual es posible caminar sin empaparse. Ha sido creado por Random International para el Barbican Centre de Londres.

La instalación genera sonidos de gotas de lluvia que caen del techo, lanzando un chorro continuo de agua. A medida que los espectadores caminar a través de la exposición, los sensores de detección de movimiento redirijen el flujo de agua lejos de las personas, manteniéndolos secos durante todo el paseo.

Más que el virtuosismo técnico necesario para su éxito que también es reseñable, la pieza cuenta con un poético rigor escultórico, que convierte esta gran sala de proporciones monumentales en un este aguacero cuidadosamente coreografiado y envuelto en el sonido del agua. 

Lo he conocido aquí de donde también he cogido algunas fotos. El resto son de los creadores de la pieza.

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septiembre 9th, 2012

Retícula de luz sobre naturaleza irregular


Hoy os dejo un interesante proyecto que data de 1993. Se llamó Luminous Earth Grid y consistió en una matriz de casi 2000 lámparas fluorescentes de bajo consumo que dibujaba con luz verde, una retícula cuadrada perfecta, de enormes dimensiones.

Fue llevada a cabo por el artista Stuart Williams que tuvo que recaudar dinero durante 5 años, en una época en la que internet aun no se utilizaba masivamente y la financiación mediante sistemas de crowdfunding por supuesto no existían… aun así el artista consiguió 500.000 dólares con los que construyó la pieza y 200 personas le ayudaron.

También le supuso varios años que le dieran todos los permisos necesarios para que la pieza quedara instalada en un paraje natural a 50 km al norte de San Francisco, en Solano County y que ocupó un área equivalente a ocho campos de fútbol.

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