Después de unos días de descanso, retomo actividad con un inspirador proyecto del artista Adán Frelin.

Se llama White Line y consiste en una larga fila de fluorescentes unidas a lo largo de un cable de acero suspendido entre 2 colinas. La línea de luces se curva levemente para simular el valle.

He conocido la pieza aquí de donde he sacado tambén las fotos.

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En la década de los 70, Barbara y Michael Leisgen llevan a cabo una maravillosa serie de fotografías en blanco y  negro, en las que la figura humana, interactuaba dejando, una huella efímera, en el paisaje.

Las acciones que fotografían en la serie Mimesis, consistían en extender los brazos para seguir los contornos del paisaje ondulado, de las nubes, del humo, de los árboles o del sol… mimetizándose con el paisaje hasta conseguir una poética armonía.

Barbara posa siempre con su camiseta blanca y pantalones negros, y Michael toma las fotos y a mí, al verlas, me dan ganas de echarme al campo sin rumbo fijo… He sentido una sensación de libertad al ver este trabajo que hacia tiempo no experimentaba.

He conocido este maravillo trabajo aquí.

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Mi amigo Gustavo Sanabria estrena web, en la que he podido disfrutar, en grandísimo tamaño, sus mejores disparos.

Ya he publicado aquí algunos de sus trabajos y hoy quería mostraros la serie Talat Noi, en la que nos presenta un barrio de Bangkok lleno de talleres de chatarra, luces íntimas y altares que nos transportan a escenarios como sacados de una película apocalíptica.

Según nos cuenta el artistas “Talat Noi es el nombre de un barrio al sur de Chinatown, en Bangkok, junto al río Chao Phraya. Antiguamente acogía a la mayor parte de los herreros, productores de herramientas de acero. Después de la Segunda Guerra Mundial los herreros tuvieron que adaptarse y convertirse en mecánicos. Actualmente es un entramado de callejones repletos de talleres y almacenes de piezas.

Las calles tranquilas, pese a las constantes motos, tan verde, la gente amable, el ambiente tradicional que se respira, mezclado con las piezas de maquinaria amontonadas en todas partes, negras de grasa, me parecieron una preciosidad. Los pequeños santuarios caseros, rodeados de montañas de metal grasiento. Por otro lado un contraste muy bien llevado, casi una metáfora en miniatura de lo que es Bangkok”.

Impresionantes estos templos de recogimiento y deshecho…

Gracias Gustavo por prestarme las fotos.

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Hoy tengo poquito tiempo para escribir, así que os dejo algo visual, una serie de trabajos, bastante dramáticos, llevados a cabo por el artista Giorgio Andreotta Calò.

Estas acciónes, a caballo entre la intervención arquitectonica y la performance, utilizan el fuego y la luz para rendir homenaje a los caidos en las guerras, en una especie de rituales purificadores en los que edificios indurstriales son “aparentemente” cubierto de fuego y humo, mientras por megafonía se escuchan las historias recopiladas por el artista en los barrios en losl que se ubica el “edificio incendiado”.

La primera vez que llevó a cabo Monumento ai caduti fue en Bolonia, para el festival de luz On y después la ha vuelto a reponer en Milán, Sarajevo, Bari y antes, una primera versión mas modesta en Venecia.

Si teneís paciencia y buscáis en Google, podréis encontrar más interesantes trabajos de este hombre, que no tiene web, aquí os dejo algún ejemplo.

Las fotos las he encontrado en la red y al artista no recuerdo dónde lo conocí.

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El sonido y el agua del post anterior me han traído a la mente, irremediablemente a este maravilloso artista que hace mucho tiempo debía haber estado aquí.

Se llama Finnbogi Pétursson y trabaja con el sonido, pero no en forma de música o ruido, sino en estado puro, partiendo de sus propiedades físicas naturales. Finnbogi captura fenómenos acústicos en el agua, viento, metal y fuego componiendo piezas elementales en su forma y contenido, crudamente hermosas y poéticas.

Las obras que más me interesan son esas en las que Pétursson trabaja con la onda sonora que se transmite mediante altavoces por el agua formando reverberaciones en la superficie que se transmiten por todo el espacio gracias a focos de luz colocados bajo el agua.

Como el sonido se transmite con ondas de formas variadas, los patrones de la proyección fluctúan y evolucionan en mágicas formas geométricas que cambian constantemente.

Fascinantes e hipnóticas instalaciones dinámica que evocan la naturaleza primitiva del sonido dentro de un despliegue de luces y sombras en las que lo antiguo y lo contemporáneo, lo material y lo invisible, lo básico y lo tecnológico, coexisten armoniosamente.

Este artista, utiliza de una manera muy inteligente el sonido como una herramienta para generar una obra de arte visual, desafiando nuestra percepción y jugando con los conceptos de sonido y la visión.

No dejéis de ojear su obra Tides en la que construye una pequeña casa de madera entre el mar y la playa, abierta en la parte inferior. En su interior, se puede estar sentado disfrutando de las olas que penetraban desde el suelo, introduciendo en el interior reflejos del sol. Una poética frontera entre la tierra y el agua, la luz y la oscuridad, el sonido y el silencio…

Ya conocía a este artista pero lo he recordado aquí. Las fotos son de las web del artista.

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Sentada en las escaleras de la Plaça do Comércio de Lisboa, relajándome mientras miraba cómo las aguas penetraban de una manera natural en la ciudad, me ha venido a la cabeza el proyecto de rehabilitación del muelle de la ciudad de Zadar en Croacia Morske orgulje, gracias al cual, se instaló un órgano marino que suena cuando las aguas penetran en los agujeros practicados en las piedras que forman la gran escalinata que conduce al mar.

Se trata de una solución arquitectónica que como, en la Praça do Comércio, resuelve el encuentro del paseo marítimo con el agua, de una forma gradual, mediante amplios escalones de mármol blanco que se adentran en el mar bajo las olas.

Los tres primeros tramos de la escalera son los más largos: constan de seis escalones y salvan una altura de unos 2 metros, que es la cota más elevada de la plataforma de llegada de cruceros. A partir del cuarto tramo, la cota del paseo se acerca suavemente al nivel del agua, de forma que cada nuevo tramo de escaleras pierde un escalón. El último tramo, que ya ha alcanzado la cota definitiva del paseo, solo tiene dos escalones sobre el agua.

Esta escalinata, además de ayudar a difuminar la frontera entre mar y tierra, tienen una analogía con las variaciones de tamaño de los tubos de un órgano. En este caso los tubos son de poliuretano de diferentes diámetros que recorren el intradós de cada tramo de escalera, conectando la parte sumergida con una galería que recorre el subsuelo del paseo.

Con la fuerza variable de las olas, el agua penetra por el extremo inferior de los tubos y es impulsada hacia la galería subterránea, que la recoge y la devuelve de nuevo al mar. En este proceso, el aire del interior de los conductos es empujado hasta unos orificios que comunican la galería con la superficie del paseo, generando vibraciones sonoras que, dadas las variaciones en el diámetro y la longitud de los tubos, cubren un amplio abanico de tonos musicales.

Yo he conocido este proyecto por el Premio Europeo del Espacio Público Urbano que recibió en el  2006 porque según ellos  destaca por su simplicidad formal. La escalinata de Zadar evita la brusquedad del muelle común, entendido como una plataforma rectilínea elevada sobre el nivel del mar, y permite diluir la frontera entre la tierra y el agua, al tiempo que preserva un espacio dilatado de tránsito entre los dos espacios. Así, el muelle ya no es una súbita barrera que protege pero aleja al hombre del mar, sino que convoca, como una playa, el vaivén de las olas. La sección de la escalinata constituye una gradería ideal desde donde contemplar la puesta de sol sobre el mar y el perfil de la vecina isla de Ugljan, mientras se escuchan las composiciones musicales interpretadas por el mar. Como no podía ser de otra manera, estos dos grandes atractivos no pasan desapercibidos a los ciudadanos de Zadar que, ahora sí, se han apropiado de este espacio público con una devoción multitudinaria.

Gran parte del  texto se lo he cogido prestado a David Bravo Bordas, las fotos son de Google.

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A principios de junio pasado, escribí un post sobre la forma constructiva en la que había sido tomada la Puerta del Sol por el movimento 15M y hoy, como complemento a esta información, quería mostraros la estructura con  la que la gente de Roma ha ocupado la Piazza de S. Giovanni.

Con la colaboración ciudadana se ha llevado a cabo Ágora Libertaria, una construcción provisional, fabricada con estructuras de tubo y lona de plástico que funciona con electricidad autogenerada por energía solar y que según explican sus creadores “se ha convertido en un espacio de relación, una cúpula de viaje para plazas indignadas, un proyecto de la escuelamoderna/ateneo libertario (Nicoletta Braga, Laura Cazzaniga, Elisa Franzoi, Massimo Mazzone, Marco Tulli, Alessandro Zorzetto,) con: Osvaldo Tiberti(com.plot S.Y.S.tem), Lorenzo Romito(Stalker), Giulia Mazzorin, Titti Caroleo y con la ayuda de Stefano Sorrentino, Livio, Costantino y otros amigos.”

Tiene forma de cúpula y ha sido ideada para ser construida facilmente y con poco dinero y que pueda dar cobertura a los movimientos de ocupación de plazas italianas, que necesitan un espacio resguardado para reunirse en invierno.

El ideario de su construccion aglutina conceptos como “occupyroma, ágora libertaria, retoma la calle, ciudadanía activa, democracia directa, asamblea libertaria! no cie u cio!, ecología social, huelga general, ninguno es ilegal! liberté égalité fraternité…

En Metalocus podéis leer más cosas sobre esta construcción, no he encontrado más información en internet, así que os dejo las fotos que también les he cogido prestadas.

Muchas gracias Santiago por dármelo a conocer.

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Quería dejaros una instalación que me ha conmovido, no solo por el formato, sino por el alto contenido simbólico que encierra.

Se trata de la obra 16 Tons, que el artista Seth Wulsin llevó a cabo en la ex cárcel de Caseros de Buenos Aires, un espacio políticamente muy significativo, ya que se utilizó durante la dictaduras militares para para albergar presos políticos.

En el 2001 fue cerrada y se planteó su demolición mediante cargas controladas de explosivo, pero fue obstaculizada varias veces por los vecinos que temían que un gran impacto medioambiental en la zona. Finalmente se decidió ir demoliéndola de manera manual, planta por planta y en ese proceso de derribo, fue cuando se gestó el trabajo de Seth.

Se puede decir que el artista utilizó la carcel y su demolición, como materia prima para dar forma a una serie de 48 retratos surgidos en los huecos de luz que ocupaban 18 pisos de la cárcel.

Las caras fueron “dibujadas” sobre los huecos circulares de grueso vidrio, practicados en al fachada para que entrara luz, pero que no permitía que se viera la calle a través de ellos. El artista conservó algunos de esos vidrios, haciendo desaparecer el resto, de manera que al incidir el sol en los que aun se conservaban, se veían rostros, muy pixelados, pero perfectamente reconocibles desde la distancia.

Los retratos tenía dos valores, luz y oscuridad, los tonos oscuros de las imágenes eran generados por las ventanas rotas de dejaban ver las tinieblas de la cárcel y la luz era el reflejo del cielo y el sol, brillando sobre los vidrios que permanecían. Las 48 caras iban apareciendo y desapareciendo, según las horas del día, la posición del sol y los puntos de vista de los observadores.

A lo largo de año y medio, esta obra fue desapareciendo a la vista de todos, como metáfora del proceso de lenta transformación al que la sociedad argentina ha tenido que someterse para poder salir adelante.

He conocido al artista aquí y las fotos se las he cogido a él mismo.

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Intervenciones reparadoras las llevadas a cabo por la artista Dominique Teufen en el entorno urbano, sencillas y delicadas, a penas perceptibles, vamos, de las que a mí me gustan.

Según nos cuenta la autora, al sentir que el mundo comenzaba a desintegrarse a su alrededor, pensó que podía ayudar a repararlo, metafóricamente, por supuesto, manipulandolo artificialmente, para volverlo en lo posible más cercano a la perfección formal, pero sin llegar nunca a restaurarla del todo.

En su intervención Reminiscence, llevada a cabo en Breda, decidio reconstruir una zona verde, en la que el juego de unos pequeños futbolistas, había hecho desapecer la vegetación.

Ella lo restauró a su manera, es decir puso una imitación en blanco y negro del cesped y de las supuestas flores que debían crecer en el área, dejándolas allí, esperando a que los jugadores decidieran si preferían mirar la instalación o jugar, como tenían por costumbre en dicho lugar. Al final, la instalación fué pisada y desmontada, y es que los pequeños no pudieron resistir la tentación de echar un partidito.

En su serie City Maintenance, se dedico a reparar las calles. En algunos casos con alambre e hilo, cosió huecos y grietas del pavimento, en otros, recompuso hasta acercarlos a su forma original, embases de plástico y cristal y en otro caso, repuso flores desaparecidas de una planta, sustituyéndolas por otras de papel.

Algunas de las que más me gustan de esa serie, no han sido llevadas a cabo en realidad, sino que se hiciernos mediante una foto que manipuló y volvió a fotografiar, de manera que parecieran una intervención real.

En Mending, fué algo más básico y simplemente unió con cinta adhesiva, trozos de pavimento y paramentos agrietados.

Una delicada manera, en cualquier caso, de aportar a la ciudad un poco de humor en forma de modestas y sutiles acciones.

Lo he conocido aquí y las fotos son del autor.

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