Me falta tiempo para quemar, este personal refugio en el que me escondo para que no me alcancen todas las miserias que me rodean, con el último trabajo de Sam3, que me ha dejado totalmente anonadada y con el corazón chamuscado.

Toro III es un trabajo verdaderamente elocuente y que no deja indiferente. Pura poesía con profundidad de carga, que quema la retina y quita el aliento…

En este momento… quemaría algo…

 Me interesa mucho el trabajo de Imme van der Haak sobre todo su pieza Beyond the Body en la que de la artista trabaja de manera muy visual sobre la idea de la percepción de la apariencia y de la identidad.

Según ella misma nos cuenta, su trabajo se centra en la modificación de la forma humana, al afectar su figura con sólo una intervención sencilla. Fotos del cuerpo humano se imprimen en largas túnicas de seda transparente para crear la apariencia de que físicamente las persona puede tener varias capas en su cuerpo, cada una de diferentes edades, generaciones e identidades.

Dos bailarines se mueven con estas envolturas impresas, de manera que el cuerpo y la seda se convierten en una unidad, distorsionando nuestra percepción o revelando una forma física completamente nueva fruto del fundido de las otras dos.

La imagen que consigue al superponer la forma real y la impresa, resulta ambigua e intrigante,  pudiendo llegar  a hacerse incluso molesta cuando el movimiento las deforma hasta lo caricaturesco.

Todo un alarde de creatividad y delicadeza que no deja de desasosegar.

El resto de su obra también toma el cuerpo humano como material que deformar y merecen que le dediquéis tiempo, sus joyas son increíbles.

Hace un tiempo este trabajos estuvo muy presente en mi reader, ahora que ya ha reposado en mi archivo, lo he recordado aquí. Las fotos se las he tomado prestadas a la artista o las he sacado de internet.

La niebla y el humo son elementos utilizados frecuentemente por los artistas contemporáneos,  ya he dejado muchas muestras de sus aplicaciones en este blog, pero hoy quería hablar de una de las pioneras en este arte, se llama Fujiko Nakaya y lleva trabajando con este delicado material desde los años 70, convirtiendo arquitecturas, interiores de museos y espacios naturales en mágicos y misteriosos mundos en los que las personas se deben sentir cual seres etéreos caminando entre nubes con la extraña sensación de estar suspendidos en el cielo.

Su última instalación, en los tejados de un edificios en Linz, Austria, dio a los visitantes la oportunidad caminar a través de una espesa niebla como si de golpe el cielo hubiera descendido a altura humana para proporcionar una experiencia casi mística a los visitantes.

Según he leído, la artista es hija un investigador, muy conocido por su trabajo en glaciología y la generación de nieve artificial y ha dedicado toda su vida a la investigación artística relacionada con el agua y los fenómenos meteorológicos cotidianos.

Su primer trabajo artístico con este material, que desarrollado junto a la mítica organización  Experiments in Art and Technology (E.A.T.), fue la de envolver el Pabellón de Pepsi en la Exposición Mundial de Osaka 1970, convirtiéndose así en la primera artista que creó un ambiente de niebla escultórica.

Desde ese primer proyecto, Nakaya ha creado jardines de niebla permanentes en todo el mundo, también creó recientemente una escultura de niebla para el Guggenheim de Bilbao, y participó con los arquitectos Diller Scofidio, en el Edificio Blur para la Expo de Suiza en 2002 en el lago Neuchatel. Nakaya también ha colaborado con artistas como Trisha Brown, David Tudor, y Bill Viola para desarrollar actuaciones de niebla y escenografías.

Si en un principio desarrolló técnicas basadas en productos químicos para crear la niebla, gracias a su colaboración con el ingeniero Thomas Mee, con el que ha trabajado desde los comienzos, ha acabado desarrollando un sistema para generar niebla artificial a base de agua, lo que las hace mucho más respetuosa con el medio ambiente.

Ojalá pronto me cruce en el camino de esta mujer, debe ser interesante sumergirse durante un rato en uno de sus paraísos difusos.

He conocido su último trabajo aquí, y las fotos las he sacado de google y de aquí.

No suelo dejar por aquí el trabajo de los más reconocidos artistas contemporáneos, pero a veces no puedo resistirme a publicar piezas que me han gustado especialmente, y que quizás no sean los trabajos más conocidos del artista.

Hoy voy a recordar una obra del gran maestro Olafur Eliasson al que admiro por casi todos sus trabajos, aunque no lo diga mucho por aquí.

En este caso me voy a centrar en su trabajo Notion Motion que presentó en 2005 y que revisó para el Museum Boijmans Van Beuningen en el 2010.

Este trabajo explora la interacción entre el agua, la luz y el espectador, haciendo que el espectador se sumerja en una experiencia visual creada por las ondas que el agua dibuja con su movimiento y que en directo se proyectan a una gran pantalla.

La percepción del espectador no es en absoluto pasiva ya que las acciones de las personas que lo visitan influye en la manera de comportarse de la instalación.

Mejor ver las magnéticas imágenes de la instalación, me imagino que los visitantes no pudieron sustraerse de pasar largo tiempo mirándolas. Buen sitio para el recogimiento.

Ya conocía la instalación pero la he recordado aquí.  Las fotos se las he cogido al artista y en internet.

No me gusta hacerme eco de fiestas, conmemoraciones, aniversarios de ningún tipo en este blog, no me gustan los eventos, casi siempre con intereses comerciales encubiertos, en los que intentan concienciarme de algo un día para olvidarse completamente de ello al siguiente…

Dicho esto, tengo que reconocer que el Día del Libro suele ser un buen día para mí, la ciudad se ve muy animada por  montones de libros por las calles y hay muchas cosas interesantes que hacer en las librerías y fuera de ellas.

Lo que me ha llevado a recordar la instalación Literatura versus Tráfico que los amigos de Luzinterruptus llevaron a cabo el pasado verano en Melbourne, una celebración de libros desechados por bibliotecas locales y que después de ocupar la calle y cortar el tráfico, terminaron convertidos en objetos de deseo para los transeúntes, que pudieron llevárselos a sus casas con una apariencia algo más luminosa y renovada…

Aquí podéis encontrar mas información sobre la instalación, yo os dejo deseando que disfrutéis de este día en el que se pueden hacer muchas cosas en el espacio público, incluso sin dinero. Bueno, por lo menos en Madrid…

Quiero mostrar una propuesta de instalación llevada a cabo por el estudio WHITEvoid, especializado en grandes instalaciones interactivas y que me ha llamado la atención sin ni siquiera haberse materializado aún.

Se llamó Border of Light, y fue pensada en el 2010 para la ciudad de Berlín, con la idea de conmemorar el aniversario de los 25 años de la caída del famoso muro. No sé si finalmente se llevara a cabo en el 2014.

43.100 globos formarían una línea de luz para marcar de manera muy visual, el antiguo trazado del Muro desaparecido. Cubriría una distancia de 43,1 km y los creadores prevén que pudieran durar encendidos unos 28 minutos, uno por cada año que el muro permaneció dividiendo la ciudad.

Será según nos cuentan, una instalación participativa en la que los ciudadanos podrán ayudar en la colocación de los globos de helio que irán anclados al suelo por unos contrapesos en los que irán marcadas la fechas de la creación  y desaparición de gran parte del muro.

Me he fijado especialmente en esta instalación porque las pasadas semanas nos han llegado noticias de la demolición de una parte del muro que aun quedaba en pié, un espacio mítico en el que muchos artistas urbanos habían dejado sus trabajos.  Y eso ha pasado para construir una urbanización de lujo…

Así que si finalmente se llevara a cabo esta instalación de luz, deberían ampliar la fila de globos para cubrir este otro tramo recientemente desaparecido. Qué mala noticia.

Lo he visto al repasar el trabajo de este estudio especializado en instalaciones interactivas de luz, de gran formato y vistosidad.

Me gusta el trabajo fotográfico de Adam Ekberg, un artistas que trabaja con lo éfimero y humilde, transformando momentos mundanos en realmente conmovedores.

Banales objetos como globos, mecheros, sombrillas de cocktail, bolas de discoteca, pompas de jabón, pequeños fuegos, se transformas, gracias a su talento, en protagonistas de fascinantes escenas.

Montajes de aspecto falso que se nos desvelan como honestas y conmovedoras imágenes.

Y no sé qué más decir, mejor mostraos su trabajo para que juzguéis vosotros mismos.

Su primer trabajo lo vi aquí y las fotos las he sacado de su web.

Hoy quiero dejar en el Ático el trabajo del artista Zygmunt Rytka que desde los años 70 desarrolló  interesantes trabajos de carácter conceptual.

Me interesa sobre todo sus trabajos en la naturaleza, que intenta dominar,  a base de un férreo control y una repetitiva codificación.

Para su serie Continual Infinity  se concentra en las piedras que se encuentran en la corriente rápida del río Bialka en la región polaca de Podhale. Ese lugar especial, al que el artista une la mayor parte de sus obras conceptuales, le brinda la oportunidad de analizar la interrelación entre las personas y la naturaleza, y poner en duda la eficacia de los esfuerzos humanos invertidos en domesticarla.

Las líneas dibujadas en las piedras representan la continuidad de los procesos y la durabilidad de la materia. Para Rytka las piedras son un expediente inalterable desde el principio del mundo.

En Available Time/Decision Time analiza el paso del tiempo. Las decisiones individuales que intentan provocar un cambio en la realidad, se yuxtaponen con las imágenes de la naturaleza y el sonido de un reloj. El artista pone de relieve la dimensión temporal de las actividades humanas, llamando la atención sobre el proceso, no el producto final.

En Momentary Objects – Scheme of Disintegration, continúa su  investigación sobre la naturaleza. Dibuja grietas en las piedras o intenta ajustar piedras más pequeñas en los orificios de las piedras intentando quebrantar la firmeza de la materia. La inutilidad de sus esfuerzos manifiesta el enorme poder de la naturaleza.

Os dejo enlaces a los videos, debéis pinchar las 3 primeras fotos para verlos. No he podido subirlos directamente porque sólo están en los archivos del Museo of Modern Art de Varsovia, y no los dejan compartir.

Ya conocía al artistas y hoy, no se por qué, me ha apetecido compartirlo con vosotros.

Parece que en China cada vez es más habitual echar mano del arte urbano y las instalaciones efímeras para poner el punto de atención ciudadana en los problemas que acucian a una sociedad que cambia a pasos agigantados.

En este ámbito artístico, podemos encontrar el proyecto Instant Hutong, que lleva tiempo trabajando sobre las profundas transformaciones urbanas en la ciudad de Beijing. 

Según puedo leer en la página web, se trata de una investigación que se involucra en el proceso de la rápida urbanización, centrándose en las relaciones entre los aspectos sociales y físicos del entorno cotidiano y las formas que llevan a las personas a reinterpretar el paisaje urbano.

Consideran el paisaje urbano como el resultado de las relaciones entre las personas y su hábitat. El análisis urbano proporciona el pretexto de partida para dar al proyecto un enfoque relacionado con la participación de los habitantes urbanos y su estilo de vida, en el que la experiencia, el tiempo, los caminos, las observaciones, los encuentros y las ideas se convierten con el tiempo en tan importantes como el entorno construido.

Utilizan el concepto de “Interacciones Microurbanísticas”, para nombrar procesos en los que combinan pequeños espacios urbanos con la posibilidad de usarlos temporalmente como un escenario público en el que la respuesta del público se convierte en el evento principal.

Ellos crean instalaciones provisionales en espacios vacíos y patios abandonados de XianYuKou, un barrio de Beijing que se encuentra bajo amenaza de demolición, aunque la gente aun espera que se quede como está.

Partiendo de esta situación de incertidumbre, el proyecto trabaja a través de distintos enfoques y medios de comunicación. Stencil para decorar las paredes, instalaciones usando materiales existentes en el sitio, las inserciones de elementos pequeños que convierten los espacios abandonados en patios de juegos, instalaciones interactivas basadas en colores y sonidos… cualquier soporte y técnica es válido para comunicarse con los habitantes del barrio.

El proyecto se inició en 2006 y se configura como una serie de instalaciones y eventos en la frontera entre el arte, la investigación social y la investigación urbana para defender la singularidad de un tejido urbano compuesto de callejuelas y casas con patio y la comunidad de personas que viven en ella.

Así más o menos lo cuentan ellos, Marcela Campa y Avesani Stefano, la pareja de artistas que está detrás de este proyecto.

Lo conocí aquí y las imágenes se las he cogido de la página de los autores.

Hoy me permito una licencia que no se da muy a menudo, no soy cronista de exposiciones, pero no puedo por menos que comentar una expo que vi ayer En el fondo, nada ha cambiado… y que aún ahora, me hace relamerme de gusto al recordar y al ojear las páginas del catálogo, aunque la sensación no sea ni parecida a estar delante de las piezas.

No sé qué me pasa, que cada vez se me hace más cuesta arriba encerrarme en una sala a ver arte, es algo que empieza a preocuparme… pero como ya conocía a Martín Vitaliti, no me costó ningún esfuerzo acercarme al Museo de Dibujo a ver un trabajo que merece la pena ser contemplado en vivo y en directo.

Él, esculpe viñetas de antiguos comics teniendo mucho cuidado para no perder la esencia de las imagenes y sonidos en los que se basa su lenguaje, pero logrando crear un metalenguaje con el que  materializar historias contadas por otros, transformándolas a su antojo, a base de sustracción y destrucción del material,  para devolverlo convertido en escenarios de soledad, vacío, destrucción y desaparición, habitados por superheroes y personajes míticos que o están huyendo o se están sublevando a su condición, o simplemente se han quedado solos.

Y lo hace con tanto talento que a te dan ganas de meterte dentro de sus viñetas vacías, para intentar habitarlas, convirtiéndote en el personaje, que logra un final quizás un poco más feliz, o no necesariamente…

Para contar mejor el trabajo de este hombre voy a copiar algunas cosas que él mismo ha contado sobre su trabajo y os invito a leer otros textos que podréis encontrar ahí, seguro que os animan a conocer más de su trabajo.

“¿Cómo es tu metodología? Acércanos al ideario de laboratorio y al concepto multidisciplinar de tu trabajo.

Puede iniciarse de dos modos: a partir de una idea previa, busco la situación apropiada dentro del medio para su realización; o en el encuentro imprevisto durante la lectura y la investigación de las publicaciones. Una vez localizada, pienso en cómo reconstruirla, aislando ciertos elementos esenciales, combinándolos y uniéndolos para alterar los efectos narrativos. En parte busco potenciar la intención que ya existe en la situación elegida desde su propio sentido, como también desde su  lado opuesto. Utilizo la apropiación, la intervención, el collage, el dibujo o la instalación como estrategia y, a la vez, uso un listado bibliográfico de referencia al material utilizado que crece a medida que trabajo y que puede verse a modo de archivo.

La mayoría de mis obras surgen a partir de revistas originales, muchas veces repetidas en un mismo trabajo, a partir de la utilización e intervención en la copia donde el resultado se convierte en un valor material original (como una revista que no es más que una copia de un original). El hecho de trabajar con éstas supone una actividad arqueológica sobre un contexto donde, la búsqueda de esa “situación apropiada”, suele demorarse bastante más que la ejecución misma de la obra.

Narrativamente, dentro de las piezas, busco evidenciar la estructura que da forma y vida al cómic, como a la vez su condicionamiento y construcción. Por eso, en lo que hago, intento reflejar narrativamente lo que podría ser posible. Es decir, no dejo que el sentido del mensaje inicial de la “situación apropiada”, por sus elementos constitutivos, se pierda a pesar de las alteraciones que manipulo físicamente. Este carácter físico, le otorga un momento exitoso al “movimiento” que se produce desde el primer significado original de la “situación apropiada” -aún presente- y lo que pasó a significar en segunda instancia por la intervención. ¿Esto es hacer historieta? No. Pero procedo como ella formulando un antes y un después, ya que como dice Masotta: “las carencias son convertidas en exageraciones y las imposibilidades en efectos”. No es imposible cortar una viñeta con un cutter, pero si que Superman la rompa o la doble desde dentro, situación que en tercera instancia se vuelve otra vez representación y ahí es donde el trabajo remite, dialoga y, paradójicamente, se vuelve hacia la historieta”.

Me introdujo en el trabajo de este artista mi amiga Susana Bañuelos, coordinadora de la estupenda exposición Me, Myself and I que incluía trabajos suyos y de algunos otros que también me interesaron grandemente…  graciasssssss.

Las fotos las he cogido de la página del autor.