junio 24th, 2008

Líneas negras sobre fondo blanco ¿o será al contrario?


Lineal, monocromática, imágenes aparentemente simple que esconden una complejidad, que me perturba. Así percibo yo la obra de la artista Esther Stocker.


Ella trata de engañar, ofreciendo una visión espacial, que falsea una, a simple vista, ordenada realidad en la que siempre hay piezas que no encajan y donde su obra tridimensional parece pintura mientras que los murales adquieren tridimensionalidad.


Abstracción, suprematismo, op art, cubismo … muchas referencias artísticas me vienen a la cabeza cuando miro su trabajo, que al final se concreta en simples líneas negras que atraviesan y descomponen el blanco espacio aunque también se podría decir que son las líneas blancas las que rompen el fondo negro.


Y no tengo mucho más que contar, es lo que tiene que una obra sea tan visual, os dejo las imágenes para que también os atrapen a vosotros.


Lo he visto en Vvork.







junio 23rd, 2008

Con una manita de pintura…


He dicho algunas veces que estoy harta de escuchar y leer sobre las grandes inversiones en arquitectura de marca que se están realizando por aquí y por allá para tratar de dar lustre y prestancia a zonas con altos intereses especulativos, así que tenía ganas de dejar por aquí algún ejemplo de lo que la simple pintura puede conseguir en barrios o zonas degradadas, marginales o simplemente estéticamente feas.


En algunos casos, la intervención de color se ha limitado a la aplicación de una mano de pintura monocromática, en otros se han diferenciado distintas áreas de color y en un tercero, el más interesante para mí, ha hecho falta la participación de un artista. En ninguno de los ejemplos se han tocado elementos arquitectónicos ni se han añadido ornamentos.


El grueso de la información que aquí aparece me la ha proporcionado Juan Freire, fuente de inspiración constante, esta vez la he sacado de su artículo, Favela painting, ¿arte para cambio social?.


Ejemplo de cómo un color puede sacar a la luz una problemática social, lo encontramos en la intervención del artistas Florentijn Hofman, que utilizó la pintura azul para su trabajo Beukelsblauw, con la que cubrió varios edificios del principios del s. XX en Róterdam. El artista se propuso mantenerlos de ese color hasta que se decidiera sobre el futuro incierto de dichos edificios. En realidad lo que consiguió fue que pasaran del anonimato a ser los más fotografiados de la ciudad.


Con color también se consiguió evidenciar la decadencia de una serie de edificios en un área deprimida de Detroit. Esta vez, el culpable fue un eléctrico color naranja, el Tiggerific Orange, patentado por Disney. El proyecto, llevado a cabo por un colectivo de artistas, fue llamado Object Orange.


Aparentemente con intereses menos altruistas, el polifacético y todopoderoso artista Julian Schnabel ha intervenido de vivo color rosa, un antiguo edificio del West Village de Nueva York. Esto ha suscitado un fuerte debate y un conflicto vecinal lo que ha producido un eco mediático que ha dado relevancia al edificio en cuestión, intuyo que elevando su precio notablemente.


Uno de los casos en los que más fácilmente y a mayor escala se puede comprobar el efecto revitalizador que ha tenido la simple pintura, es el caso de Tirana la capital de Albania. Desde el 2000, su alcalde, Edi Rama, está empeñado en mejorar el aspecto de una ciudad gris, deprimida, descuidada y postcomunista, utilizando para ello un ejercito de pintores que han aplicado arriesgadas y coloristas composiciones a las poco atractivas construcciones comunistas.


Así, ha llenado de color la ciudad y este simple y no demasiado caro gesto, ha hecho que la calidad de vida de sus habitantes, por lo menos en apariencia, haya mejorado.


La iniciativa más interesante para mí, porque comprende otros aspectos como la participación vecinal, es la que se conoce como Favela Painting y que puede leerse con detalle en el artículo de Juan Freire.


Copio un párrafo, «Promovido por la Fundaçcao Firmeza pretende crear murales de gran formato en «lugares donde las personas están socialmente excluidas» con el fin último de apoyar un proceso educativo y motivar a las comunidades locales, especialmente a los más jóvenes, para que mejoren su imagen hacia al exterior y hacia el interior construyendo una identidad más positiva de sus propias comunidades».

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La idea surgió de los artistas holandeses Dre Urhahn y Joroen Koolhaas que en 2006 iniciaron el proyecto en las favelas de Vila Cruzeiro. Presentaron bocetos de lo que querían pintar a los vecinos y una vez elegido el que mas gustó, se pinto colectivamente.

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En paralelo, se organizaron cursos sobre arte, diseño, fotografía que proporcionaron a los vecinos herramientas para emprender sus propios proyectos artísticos de forma más autónoma. Todo el proceso está documentado en el blog Favela Painting.

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Con todos estos ejemplos de cómo la pintura puede redimir muros, edificios, barrios e incluso ciudades, me entristece ver que en ciudades como Madrid no se aprovecha ese fácil recurso para embellecer tanta anodina medianera. ¿No sería interesante que las calles se llenaran de la obra de artistas urbanos?…

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Pero mientras se pongan multas desorbitadas y los únicos espacios disponibles estén patrocinados por marcas comerciales, las calles se llenarán de esas rápidas, torpes y antiestéticas firmas, mientras los artistas interesantes, que dedican tiempo a su obra, se tendrán que ir a otros lugares, donde son mejor recibidos y valorados.

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Y por cierto ¿qué pasa con los muros privados?, ¿es que a nadie le apetece tener una obra de arte en su fachada, en su tapia o en su pared medianera?.

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Animo, a quién tenga alguno disponible, que lo diga, habría lista de espera para pintárselo sobre todo si está en el centro. Estoy segura de que se sentirá orgulloso de los resultados…

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junio 22nd, 2008

Calles japonesas en papel


Me ha llamado la atención la obra del fotógrafo Kimio Itozaki, se llama Fotomo y se exhibe en el 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa.


El trabajo de este artista, consiste en fotografiar espacios urbanos, imprimirlos y con estas fotos construir pequeños escenario tridimensionales en los que se combina el realismo de las fotografía con la presencia física de una maqueta en tres dimensiones.


Para conseguir este efecto, recorta los edificios y los pliega para dar volumen, y los sitúa verticalmente sobre una base, después añade detalles, como personajes y objetos, que pega en distintos planos que le ayuda a simular esa tridimensionalidad.


La falsa perspectiva conseguida con las imágenes fotográficas, transmite una sensación de profundidad en un espacio limitado y se puede ver desde varios ángulos. Así, estos volúmenes planos consigue una auténtica idea de realidad.


Las temáticas que utiliza el artista para sus Fotomos, son cotidianas escenas de calle, nada de famosos edificios, ni sitios turísticos, porque lo que trata es de reivindicar el encanto de lo cotidiano, de lo ordinario y de lo que para muchos resultaría prosaico.


Según él artista, trabaja con el concepto de «Impersonal Art» que hace referencia a algo no creado intencionadamente y que es el resultado inconsciente de los pensamientos y las acciones de muchas personas, al igual que una obra de arte sin un creador. Su único merito es haber descubierto el mérito artístico de algo que no fue creado como arte y fotografiarlo.


Para los que no puedan adquirir alguna de sus obras, Itozaki ha creado el Fotomo Papercraft, que cualquiera puede montar, descargándose un pdf de la web y siguiendo al pie de la letra las instrucciones.


Me gustan estos escenarios japonesas en papel, creo que reflejan a pequeña escala las particularidades y contradicciones de una sociedad, tradicional y vanguardista a partes iguales.


Lo he visto en Rag and Bone.


junio 20th, 2008

Hotel Democracy


Pensando estos días en la «penosa» directiva europea del retorno de inmigrantes indocumentados y su estancia en campos de internamientos hasta 18 meses, si es necesario, no he podido evitar pensar en la obra Hotel Democracy presentada por su autor Thomas Hirschhorn en Art 40 Basel.


La pieza fue creada para la exposición Common Wealth de la Tate Modern y en ella se representa un hotel, a la manera de enorme casa de muñecas torpemente realizada y ensamblada, atestada de objetos e imágenes.


Sus 44 habitaciones, llenas de muebles humildes y anacrónicos, cuyas paredes están repletas de elementos gráficos, componen un mural inmenso e intenso y tan real, que no he podido evitar que el desasosiego me invada, y eso que yo sólo he visto fotos.


Cada dependencia representan una manera de entender la democracia y la lucha para conseguirla. Sus paredes han sido cubiertas con imágenes simbólicas sacadas de los medios de comunicación y el huésped de ficción que se acerque a este hotel, puede elegir establecerse en la que más identifico se sienta.


El dramatismo de esta impresionante pieza, se refuerza con la utilización casi descuidada que el artista hace de materiales tan básicos como la cinta de embalaje, las láminas de plástico, el cartón, el aluminio y el contrachapado.


Copio lo que dice el autor sobre obra «Hotel Democracia es una escultura de un edificio que contiene diferentes conceptos, realizaciones, malentendidos, perversiones, esperanzas, sueños y desastres de la democracia… y yo quiero representar esa confusión sin juzgarla ni jerarquizarla».


El visitante de la exposición, puede adentrarse en la instalación, para apreciar con detalle la realidad que intenta mostrar el autor con la ayuda de las impactantes imágenes que pueblan sus paredes, pero esta visita no lo va a dejar impasible y se verá obligado a tomar conciencia de la realidad, lo que puede ser altamente perjudicial, si no se quiere «saber».


Yo, al hilo de lo que me trajo aquí, me imagino ese hotel, habitado por esos inmigrante sin papeles, non gratos para nuestra democracia, que deberán pasar una larga temporada en él. No me quiero ni imaginar, cómo cada uno representaría en su habitación, la idea de democracia que le hizo querer establecerse aquí y la realidad de democracia que tendrá al final de su viaje. Deberíamos obligarnos todos a pasar por ese hotel.


Me he enterado por Designboom.


Es imprescindible echar un vistazo al resto de la obra de este autor, se puede ver en la galería Stephen Friedman y tengo que decir que es de las obras más provocadoras, que he visto últimamente, pero con una provocación de las que de verdad me tocan, sin necesidad de epatarme.











junio 19th, 2008

Figuras de porcelana muy carnales


Por enésima vez tengo que hablar de cerámica, es que no puedo evitarlo, me parece que ese material tiene un lenguaje propio forjando a lo largo de los siglos, que si cae en malignas manos, es perfecto para lanzar mensajes provocativos.


Hoy traigo un trabajito del que poco hace falta explicar. La serie de objeto de porcelana Lust and Gluttony ha sido creada por el artista Chris Antemann, basándose en la lujosa porcelana estilo rococó, que se utilizaba como detalle decorativo en el centros de las mesas y en la que se solían representar escenas costumbristas de la corte.

Y detalle no le falta a la obra de Chris, que ha utilizado para sus escenas de porcelana, los dorados, la ropa y tocados de época, la barroca arquitectura y mobiliario, los detalles decorativos florales, pero todos empleados traviesamente para representar escenas orgiásticas, en las que es inevitable que se te escape una sonrisa al ver a los personajes de la nobleza en actitudes de lo más mundanas y desenvueltas.


Parejas practicando sexo encima de los muebles, menage-à-trois en las barrocas camas, orgías de lujuria y comida, sexo en los sofás… un catálogo bien variado de aptitudes no aptas para figuritas de porcelana al uso.


Buena pieza este Chris. Como siempre, mejor ver las fotos.


Lo he descubierto a través de Moco Loco.








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