Un curioso ejercicio de composición espacial, a caballo entre la arquitectura y la escultura, es el que realizó el artista italiano Gianni Pettena, en el 2002.
Esta obra llamada Archipensieri y que el autor definió como un moderno Stonehenge, consiste en 5 piezas de metal que ocupan una superficie de 8x8x5 m y que están cuidadosamente estudiadas, para que dependiendo del punto de vista desde el que se mire, pueda tener una utilidad y un significado distinto.
¿Y a mí, que es lo que me sugiere?, pues así… sin pensar mucho… desde la abstracción de un bosque, hasta un moderno partenón, una iglesia al aire libre, un juego de farolas, unas ruinas, y por qué no, un cementerio…
Os invito a que busquéis vuestros propias similitudes, seguro que encontráis bastantes más.
Me gusta este espacio, donde además de estar en contacto con la naturaleza, cada uno se puede sentir transportado a un lugar diferente, simplemente con dejar volar la imaginación.
Pues parece que han vuelto los fríos del invierno así que me viene al pelo la imagen que he encontrado en 72dpi en la que se ve un árbol vestido con un jersey tricotado en vivos colores.
No es un anuncio de lanas sino la intervención artística de la escultora inglesa Carol Hummel que parece tener muy buena mano y gran paciencia con las agujas de ganchillo.
Tree Cozy se llama la escultura y ganó el premio Heights Public Art Competition, en 2005. Según explica su autora, el árbol simboliza lo masculino, que ella cubre por una manta de ganchillo, como símbolo femenino¿?.
Además de esta explicación, que se me escapa, a mi me provoca cierta sensación que confort y de nostalgia casera. La duda es si esto es bueno para el árbol, no se en verano… La pieza se muestra desde el 2005 hasta el 2008 frente al ayuntamiento de Cleveland Heights.
En el 2006 hizo lo mismo en Nueva Delhi dentro de la Phirangi Kala Wale Foreigner Show.
En Buddha Bound, otro árbol de India fue cubierto esta vez con cuerdas que representan los colores del aura que rodeaba la cabeza de Buda cuando alcanzó la iluminación.
Para Levels utilizó arboles artificiales, más bien esquemas de árboles, que tejió con franjas de colores cada uno de los cuales representa un nivel de altura del árbol.
Unas instalación que me gusta especialmente son su Confined Comforts donde un pequeño bosque de la universidad de Kent es cubierto con hilos de colores, también Palm Wrap donde hace lo mismo pero esta vez en Nueva Delhi y Space Wrap en Echo Hills Elementary School. En todas ellas, los arboles han sido unidos por miles de hilos, como si se tratara un gigantesco telar.
El resto de su obra reciente, sigue muy vinculada al tejido y a los espacios exteriores, en muchas de ellas elabora alfombras de vivos colores, que coloca en espacios desiertos.
Las que no me gustan y me sorprende hayan sido creadas por la misma autora, son las Down Under(s) 1, 2, 3 y 4. Aquí los arboles han sido vestidos con ropa interior masculina y femenina.
Curiosa forma, la que esta artista ha ideado, para aportar un toque de color y de alegría a la naturaleza, de una manera que perdura en el tiempo.
Como este mes hemos publicado un extenso artículo en Flylosophy sobre culture jamming, he aprendido muchas cosas sobre cómo «corregir» códigos y signos. El tema es apasionante.
Entre las acciones de subvertising que más me han llamado la atención, están las que practica los Space Hijackers que se reconocen como un grupo de“anarquitectos”, que secuestran espacios públicos para poner en evidencia la jerarquía que imponen los arquitectos, los planificadores y los propietarios de los espacios públicos.
Otro día hablaré más sobre ellos, pues se merecen un post largo que hoy no tengo tiempo de hacer.
A través de su página he llegado a una acción de guerrilla artística, ¡ojo! en este momento hay que especificar cuidadosamente para no confundir con una acción de guerrilla publicitaria, que tan de moda se han puesto.
¿Por qué digo esto?, pues porque, aunque el autor, Mark Daye es un estudiante de diseño que ha realizado este proyecto para su tesis, no se trata de una campaña de publicidad encubierta, ni siquiera para una ONG.
Para su iniciativa Homeless Sings in Toronto ha colocado falsas señales de trafico, imitando las que existen en la ciudad de Toronto y las utiliza como soporte para lanzar mensajes que llaman la atención sobre la vida de los vagabundos en la ciudad.
El objetivo según su autor es captar el interés de los ciudadanos a través del diseño gráfico, y para ello lo que hace es deconstruir las señales viales y volverlas a codificar con mensajes subversivos que hablan del, tristemente ignorado, colectivo urbano que forman los sin techo.
Con este cambio de los mensajes en las señales, quiere informar «de manera oficial» a a la gente, que va con la guardia baja y que lee las señales con respeto, pues les asigna un valor de autoridad. Y si esa voz oficial habla de cuestiones humanitarias… pues entonces hay que hacerles caso.
Con todas las señales llenas de mensajes como: «Quiet, Homeless Sleeping» «Please keep our streets clean 818 people have to sleep on them.» «Approximalely 5052 homeless living in Toronto as of April 2006» «Please have change ready for homeless», «Homeless has nothing to do withlack of shelter», es difícil no tomar consciencia de una realidad por la que todos los días pasamos de puntillas para no ensuciarnos.
Esta foto, que me ha asaltado desde la página de Today and Tomorrowme ha hecho recordar lo mucho que me gustó la obra del coreano Do-Ho Suh, artista que conocí en el Musac de León hace un par de años.
Pasear por el pasillo de su apartamento de Nueva York, meticulosamente construido con seda transparente y observar los pequeños detalles que el artista fue cosiendo en su interior me hizo sentir casi inmersa en una ensoñación…
Os dejo con las imágenes, porque tampoco tengo mucho que decir, simplemente que me siento ligera, casi flotando cuando las miro, lo que ya es algo, teniendo en cuenta lo densa que me pongo a veces.
Podéis encontrar mucha más información en la página de la galería Lehmann Maupin, de donde he sacado las fotos, en Designboom y en la del Musac.
Un poético proyecto que me ha llamado la atención por su simplicidad y su ingenio, además de por su belleza.
Se trata de un pabellón de cartón del que surgen poesías, ¿suena bien no?. Sí, su autor/a Jiyeon Song ha concebido una obra, entre la escultura, la arquitectura y el diseño tipográfico, llamada One Day Poem Pavilion.
Se trata de un pequeño y acogedor espacio, construido en común cartón marrón, al que se le han practicado una compleja serie de perforaciones, las cuales permiten que la luz atraviese su superficie proyectando en la sombra, dibujos tipográficos que componen textos poéticos.
Así de simple, un rudimentario mecanismo que sólo depende de la luz solar para funcionar. Según cómo incida la luz sobre el troquel los textos que se verán serán unos u otros. De esta manera, mientras la tierra se desplace alrededor del sol, el ciclo poético seguirá. Por ahora tengo la cierta seguridad de que no va a fallar.
Las perforaciones están pensadas para que cada mensaje que proyectan, tengan que ver con la estación del año en que se va a ver. Está dedicado a la nueva vida, en el solsticio de verano y es una reflexión sobre el paso del tiempo, en el invierno.
Los textos de luz son Sijos, cortas poesías coreanas que hablan sobre la naturaleza y la vida. Los elegidos para este pabellón tratan de cómo muchas cosas sólo pueden hacerse en un determinado momento de la vida, como amar, perdonar, dar, ayudar, etc…
Los poemas se pueden leer de la 8 de la mañana hasta las 4 de la tarde. Cada estrofa constan de 5 líneas que van apareciendo lentamente. Y este retardo en el mensaje, es una invitación a parar y reflexionar a la sombra del pabellón.
En este esquema podéis ver la secuencia de tiempo en la que van apareciendo los textos, porque la artista ha planificado hasta el mínimo detalle. Supongo que habrá tenido en cuenta también los efectos de la lluvia sobre el cartón.
En cualquier caso es un poético espacio donde descansar de las prisas diarias y de paso meditar sobre las verdades de la vida. Increíble.
