noviembre 12th, 2009

Imágenes proyectadas de realidad social


Esta semana definitivamente, La Biennale se ha convertido en el tema principal de mis post, pero es que no puedo evitar relamerme con algunas de las piezas que allí se pueden visitar.


Además, sin tener que salirme del apasionante mundo de las sombra y las proyecciones, puedo aprovechar para rendir un admirado tributo, a un artista genial que tengo que reconocer, no conocía y eso que lleva más de 30 año trabajando .


Su nombre: Krzysztof Wodiczko, el trabajo que me interesa: proyecciones cargadas de mensaje en edificios públicos, su particularidad: la implicación política y social de toda su obra, para lo que se vale de un medio, en el que se suele cuidar más la estética y la composición, que el mensaje activista y comprometido.


Wodiczko es conocido por sus más de 70 proyecciones de gran escala al aire libre sobre edificios emblemáticos y monumentos públicos, en los que él ha proyectado, tanto imágenes fijas, como en movimiento, llenas de una crítica social y conciencia política, destinada a plantear cuestiones fundamentales a los que están observando.


Algun ejemplo de su magnífico trabajo, es por ejemplo las proyecciones en edificios, de manos y caras de personas, que hablan de experiencias personales o de los traumas que han sufrido, lo que permite una difusión pública de cuestiones que por lo general se suelen mantener en privado.


Una de sus trabajos más polémicos fue llevado a cabo en 1985 y consistió en la proyección, sobre la fachada de la embajada de Sudáfrica, de la imagen de una gran esvástica, en una manifestación contra del apartheid.


Hiroshima Projection, realizada para el aniversario del lanzamiento de la bomba atómica. Sobre uno de los edificios que sobrevivió a la masacre, proyectó el testimonio de distintas generaciones descendientes de los sobrevivientes, no sólo de japoneses sino también de inmigrantes que entonces vivían allí y que fueron olvidados por los libros de historia.


Guest 2009, su trabajo para la Biennale 2009, consistió en la proyección de escenas de la calle protagonizadas por inmigrantes, gente sin techo que son huéspedes permanentes del espacio público. En una habitación completamente cerrada, recreó la vida de una calle, vista a través de grandes ventanales, en ella, los sin techo pasean, hablan, limpian ventanas, descansan… en una visión virtual, de un catálogo de escenas, de lo más cotidianas.


Hay otros ejemplos igualmente interesantes, de un trabajo que siempre incide en la manera en que la arquitectura y monumentos reflejan la memoria colectiva, dejando oír la voz de los marginados que abitan a la sombras de estos edificios representativos. Para conseguirlo, además de las imágenes, añade documentos sonoros, alterando las tradicionales funciones del espacio público y la arquitectura para introducir en ellos conceptos como violencia, alienación, deshumanización, discriminación...


Wodiczko también ha desarrollado instrumentos que facilitan la supervivencia de las personas sin hogar.


Un proyecto controvertido fue el diseño de sus Homeless Vehicles, especiales para personas sin hogar, que fueron ideados tras consultar con vagabundos de New York. Los carro podría ser utilizado para transportar pequeños objetos recogidos en la calle y además se usaban como refugio básico.

Su trabajo más reciente es la construcción de objetos electrónicos de alta tecnología, diseñados para fomentar la interacción entre los inmigrantes y el público.


Impresionante trabajo, sí señor.


Casi todas las fotos las he sacado de google.

















noviembre 10th, 2009

Sombras manejadas por el Marqués de Sade


Ya que estaba hablando de sombras y de La Biennale no puedo dejar de mencionar el trabajo de Paul Chan, un artista y activista político que emplea el vídeoarte y las proyecciones para criticar las rancias costumbres y la política americana.


El por qué este hombre no ha estado antes en el Ático es algo que no me explico, bueno sí, se trata otra vez de la web del artista, durilla de asimilar.


Su trabajo para La Biennale, Sade for Sade´s Sake, en la que se representan escenas de la obra 120 días de Sodoma de El Marqués de Sade, me va a servir como preámbulo para hacer un repaso a su ejemplar y comprometido trabajo con la luz y las sombras.


El significado más profundo de este trabajo, lo explica el autor en la entrevista Lets talk about sex así que yo me voy a parar en los detalles más formales de la instalación.


Se trata de una proyección de casi 6 horas de duración de todo el catálogo sexual del famosos marqués protagonizado por siluetas, que escenifican su papel con movimientos repetitivos y desapasionados que parecen más secuencias matemáticas que escenas de sexo.


Según cuentan en este artículo, la pieza está estructurada en forma de una balada, la proyección se compone de cuarenta y cinco escenas que se relacionan entre sí como las líneas de un poema.


Las imágenes muestra cuerpos desnudos en rítmicos movimientos orgásmicos, que conviven con formas geométricas flotando entre los cuerpos. A medida que la pieza avanza los cuerpos van interactuando con mayor intensidad hasta que la proyección estalla descomponiéndose en miembros y partes de objetos, en una abstracta manifestación de imágenes de sexo, mezclado con conceptos de la libertad, violencia o la razón y el arte.


Esta pieza al igual que otras del autor , se proyecta en una superficie irregular que incluye
ventanas, radiadores y columnas, con lo que se pone en práctica lo que Chan ha llamado el materialismo espectral de la proyección de imágenes en movimiento y su relación con los espacios arquitectónicos estáticos.


Hay un montón de vídeos en google para que investiguéis sobre la obra.


Otros de sus trabajos con luces y sombras es The 7 Lights una serie compuesta por 7 proyecciones que se proyectan en suelos y paredes y que representan escenas de destrucción y renacimiento cíclicos.

Estructurada en el trascurso de un día, cada una de las 7 proyecciones comienza pacíficamente, con los colores cálidos de la madrugada, poco a poco la atmósfera cambia, las siluetas de los objetos se levantan en el aire y se desmantelan por fuerzas oscuras, mientras sombras humanas caen en picado hacia el suelo.


Como en una pesadilla, la secuencia se vuelve cada vez más horrible, hasta que, cuando llega la noche, se desvanece y vuelve la paz, a la espera del nuevo día donde todo se vuelve a repetir.


Según explican los que saben, este trabajo podría estar relacionado con la narración bíblica del origen del mundo y su inminente fin, como si se tratase de una alegoría de los siete días de la creación, aunque parece bastante obvio que se podría estar refiriendo a otras tragedias más contemporáneas como el 11 de septiembre , la guerra en Irak o la violencia terrorista, así lo he interpretado yo.


En la web del New Museum podéis ver todas las proyecciones de The 7 Lights, seguro que después de verlas entendeis mejor lo que estoy tratando de explicaros, son vídeos de 14 minutos, así que paciencia.


Bueno por hoy ya lo dejo aquí, pero os invito a que visitéis por su impracticable web, merece la pena intentar conocer más trabajos de este interesante y polifacético artista.


Las fotos son de google.











mayo 5th, 2009

Viento robotizado


Vivisection es una instalación creada por Mette Ramsgard Thomsen y Simon Løvind en la que un robot fabricado con ligero material textil, parece fluir dentro de una habitacion, interactuando ante la presencia humana.


Tampoco me quiero extender en las características técnicas de esta instalación, porque en este caso me interesa sobre todo su resultado estético, pero segun he podido entender, el material textil con el que están fabricado, es una trama de seda y acero que puede transmitir señales a través de él.


El uso de multitud de sensores en la tela, hace que toda la instalación adquiera una sensibilidad que detecta la mínima presencia. Estos sensores informar a unos ordenadores que se encangan de gestionar unos ventiladores, que inflan y desinflan las telas, dotando de movimiento a toda la estructura.


Yo, más que apreciar las maravillas tecnológicas de esta estructura, admiro la simple y etérea envoltura que esconde, con gran disimulo, tecnicismos que se me escapan, dejandome en la retina la sensación de estar contemplando una fuerte y fría ráfaga de viento, evolucionando en el interior de una sala, como si estuviera tratando de encontrar la salida.


En su siguiente instalación Slow Furl la artista ha cubierto las paredes de una gran sala, con este mismo tipo de tejido en movimiento, que también interactua al detectar movimiento alrededor.


Inspirador. Lo descubrí aquí.



marzo 22nd, 2009

Movimientos mecánico-artísticos


Buscando inspiradoras sombras para un trabajo, he dado con la obra de Arthur Ganson un artista genial que crea esculturas cinéticas con mecanismos llenos de engranajes y resortes, que parecen construidas en el pasado y que a mí me recuerdan a esos antiguos juguetes de niños, a los que se daba cuerda y que hoy día continuan haciendo las delicias de los mayores o por lo menos las mías.


Estas esculturas no funcionan con grandes despliegues tecnológicos, sino con simple electricidad o tracción manual y unos ocurrentes mecanismos de ingeniería, bien engranados que funcionan a la perfección, para conseguir unos espectaculares resultados llenos de arte, sentido del humor y poesía cinética.


¿Y qué realizan estas máquinas para que tanta gracia me hagan?… pues una de ellas consigue que un hueso ande, también que lo haga una hoja de alcachofa, otra compone y descompone una silla amarilla o hace volar otra, otra máquina consigue que simples pedazos de papel vuelen como gaviotas, hay otra que desliza una tela azul hasta que llega al suelo, otra hace que una mosca revolotee incansable, alrededor de una bombilla, otra pasa el plumero, otra abre y cierra un abanico, otra dispara cuchillos…


Y así hasta casi 40 piezas realizan curiosas y divertidas acciones, que no es que sean precisamente transcendentes para la vida diaria, pero que a mí me producen una sensación de alegría infantil y de relax, que han hecho que esté deseando poder contemplar en persona alguna de las piezas de este artista por no hablar de lo que sentiría si pudiera dar a la manivela de alguna de ellas…


Dejo fotos que no dicen mucho, y que he enlazado a los vídeos correspondientes, que son los que os recomiendo veáis. No lo hagáis con prisa, tomaos vuestro tiempo, realmente merece la pena deleitarse con cada uno de los movimientos cíclicos y los sonidos de estas increíbles obras cinéticas. Yo voy a seguir un rato más con ellas.
























marzo 20th, 2009

Intervenciones en escenarios urbanos degradados


Algunas de las obras de Michael Pinsky, me ha hecho contener la respiración.


Sus instalaciones son estéticamente sorprendentes, además, el uso que hace en ellas de nuevas tecnología me parece admirable, y eso que me agobia, por desconocimiento del tema, todo lo que es eminentemente tecnológico.


Pero es que este artista, mezcla tecnología con elementos más básicos y rudimentarios, para que personas como yo, lleguemos a apreciar en su obra una gran sensibilidad y poesía.


Muchas de sus piezas están cargadas de mensajes reivindicativos, como el reciclaje, la vida en la ciudad, el tráfico, la degradación de los espacios, los residuos, el innecesario gasto de energía… en definitiva, una serie de temas que a mí me interesan especialmente.


Aunque me gusta casi todo lo que he visto de él hay varios proyectos que me han llamado especialmente la atención y no puedo dejar de mencionar.


Mi favorita, la intalación Breaking the Surface, que fue ubicada en un antiguo muelle, ya en desuso, de cuyo fondo extrajo y restauró objetos, aparentemente sin ningún valor, que dejó flotando en la superficie del agua e iluminó teatralmente, consiguiendo un mágico efecto de misteriosa levitación, que además fue ambientada con el sonido que el viento producía al penetrar en el interior de los objetos expuestos.


Impresionante también Come Hell or High Water en la que una caravana de coches va por el río, siendo solo visible la parte superior del chasis. Mediante una brillante iluminación, los misteriosos coches se reflejan en el agua, produciendo un efecto algo surrealista, pero con un claro mensaje que nos habla del exceso de tráfico y la contaminación en las ciudades.



En Living Bodies, los bailarines de una compañía de danza, son filmados y manipulados para luego ser proyectados en una pantalla en la que esos mismos personajes, esta vez reales, interactúan con ellos, creando unos interesantes efectos de movimiento, en los que acaba confundiéndose realidad y proyección.


También en Crawl usa las proyecciones, esta vez en piscinas victorianas que él convierte en un mar tropical donde misteriosas figuras de luz, conviven con los osados bañistas que osaron nadar en las heladas aguas de estas piscinas.


En Symposium, un coche cortado en dos mitades es montado en un puente fluvial, de manera que cada una de las partes queda en un lado. Cuando el puente se abre se separan las piezas que solo vuelven a componerse al cerrarse.


Turning Point consigue poner el punto de atención, en una zona portuaria que tuvo gran importancia para el comercio de la ciudad en el pasado y que ahora se encuentra abandonada y totalmente degradada. Proyectando bellos cisnes gigantes en este escenario, consigue evidenciar de manera brutal, el deterioro de la zona.


Life Pulse es una maravillosa instalación en la que los viandantes tiene la posibilidad de interactuar con farolas públicas de manera que al abrazarlas la luz se adapta al ritmo cardíaco de la persona, bellísimo.


El resto de sus trabajos también merecen un buen repaso, pero eso ya os lo dejo a vosotros, recomiendo mirar los vídeos. Yo me quedo con un estupendo sabor de boca, para empezar el fin de semana.

Esto no lo he visto en ningún blog, me llegó, tirando del hilo de algunas intervenciones urbanas de otros artistas.














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