marzo 16th, 2011

Aguas verdes como protesta

Sin internet en casa y con poco tiempo para investigar novedades, vuelvo la vista atrás para encontrarme con un clásico de las interveniones reivindicativas y ecológicas, se llama Nicolas García Uriburu y desde 1968 lleva tiñendo de verde, polémicas aguas en todo el mundo.

Este artista empezó a ser conocido, entre otras cosas, por sus intervención a gran escala en el Gran Canal de Venecia, durante la Bienal en la que que trató de alarmar a los visitantes sobre la contaminación de rios y mares. Sonada ha sido más recientemente, su actuación, en compañía de activistas de Greenpeace, en el  Río Matanza-Riachuelo, el más contaminado de Argentina, como protesta en el Día Internacional del Agua.

Para llevar a cabo sus acciones, utiliza la fluoresceína, un pigmento que se convierte en verde fluorescente cuando entra en contacto con los microorganismos del agua y que está demostrado, no afecta a la fauna y flora del medio.



Uriburu ha llevado a cabo acciones similares, siempre en verde, en fuentes y aguas públicas, durante décadas  y con ellas trata de aumentar la conciencia de la contaminación del agua, del planeta y de paso denunciar los antagonismos entre la naturaleza y la civilización, y entre el hombre y la civilización.



La Fontaine du Lac de Vincenne, la Fuentes del Trocadero de París, la Fontaine du Soleil de Niza, el Puerto de Niza, el Green Hatchiko de Tokio, la Fuente Monumento a los Españoles de Buenos Aires, la Fontaine du Louvre, el Museu de Arte Moderna de São Paulo, han sido algunas de sus localizaciones más destacadas.

Según leo, Uriburu desarrolla, paralelamente a su carrera artística, una importante labor social. Se destaca en la defensa del medio ambiente mediante acciones como las múltiples plantaciones de árboles, tanto aquí como en Europa. Es miembro fundador del Grupo Bosque con quienes participó en las campañas de reforestación de Maldonado, Uruguay… vamos que lo suyo no es una pose para llevar a cabo vistosas acciones.

En su web podemos leer algunas de sus ideas sobre el agua, la ecología y la sociedad…

Ya lo conocía, pero lo he recordado al verlo aquí. Las fotos son del autor y de google.

Muchos otros han llevado a cabo acciones similares, en rojos, azul… pero él fue, el primero, o uno de ellos.

marzo 8th, 2011

Mobiliario usado como obra de arte

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Florian Slotawa es un artista conceptual que más que crear objetos, reorganiza y recontextualiza los que ya existen llegando a interesantes resultados compositivamente hablando.
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Utiliza muebles y objetos de uso cotidiano, que suelen tener una estrecha relación con el espacio en que se presentan.
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En su serie de 1996 Besitzarbeiten, sacó objetos de su apartamento de Berlín, lavadora, mesa, armarios, estanterías, fregadero de la cocina y los llevó a las galerías dejando el apartamento ausente de los aparatos principales y muebles. Así, sus objetos personales se presentaban en la esfera pública, llenos de nuevas dimensiones, creando una relación entre el artista y la institución del museo. Estos bienes no fueron ni alterado ni dañado, sólo reubicados  para luego ser devueltos a su ubicación original.

Otro interesante ejemplo de su trabajo es la serie Tourist´s Tale, en la que el artista se encerró durante un día en diferentes habitaciones de moteles baratos de diferentes habitaciones del mundo, dedicándose a recomponer todo el mobiliario de la habitación, para convertirlo en un pequeño refugio, donde  acababa durmiendo y al día siguiente, todo volvía a su exacto estado original, siendo muy dificil adivinar, tal movimiento nocturno de objetos. Menos mal que todo fue bien documentado y tenemos constancia por sus fotos.

He conocido este interesante trabajo aqui, de donde he sacado parte de las imágenes, el resto son del autor y unas pocas de google.

febrero 22nd, 2011

Urna de cristal ilegal sobre pedestal clásico

En el 2007, El  Collectif Aéroporté colocó sin permiso en el centro de París, un monumento de cristal sobre un pedestal vacío hacía 60 años, en el que había estado colocada la figura de bronce de Charles Fourie.

Esta estatua fue utilizada como bronce para municiones en la Segunda Guerra Mundial, y la instalación en forma de volumen de vidrio, no quería usurpar su espácio sino poner de relieve la falta de dicha escultura. Una escalera invitaba a los transeúntes a llegar a la cima del pedestal  y habitar el espacio. De esta manera, el ciudadano que se metiera en ella, podía sentirse como un monumento encaramado a una peana.

La instalación duró 6 horas. Al amanecer, se cargó en un camión la vitrina de dos toneladas y cinco metros de altura, y con una grúa se colocó sobre el pedestal. Para ejecutarla se tuvieron en cuenta todas las normativas  que el ayuntamiento dicta para la instalación de obra en zonas urbanas, pretendían con ello que no les pudieran achacar problemas de seguridad y retirarla por ello.

Tanta polémica creo esta acción, que el ayuntamiento de París se vio obligado a convocar un concurso precipitado de ideas, para dar uso legal a este pedestal. Finalmente, la acción no se pudo llevar a cabo y tampoco aprobaron el retornó la urna a su lugar, los autores trataron de conseguir firmas para volver a reponer la vitrina, no parece que lo consiguieran.

Pero esta acción generó un interesante debate sobre si en toda obra artística que se pone en la calle, es más importante el valor artístico de la pieza o haber sido ejecutada en el marco de la legalidad…

Conocí este trabajo aquí y las fotos son del colectivo.

febrero 14th, 2011

Bricolaje dentro de la galería

La obra de Oscar Tuazon está basada en la estética del bricolaje y la autoconstrucción, que él utiliza para crear estructuras arquitectónicas básicas y defectuosas dentro de espacios arquitectónicos modélicos como son las galerías y museos en los que se exhibe su obra.

Esto crea una sensación de tensión entre el continente y el contenido, que nos lleva a pensar que sus piezas empujan y desplazaran los límites del espacio en los que se contiene. Es como si esas construcciones desmembradas y básicamente ejecutadas con materiales industriales, atacaran el espacio tradicional de exposición, con la intención, según leo, de criticar esa idea burguesa de que el arte debe disfrutarse dentro de espacios privilegiados.

Sus piezas pues son efímeras y sólo tienen sentido dentro de el espacio donde están expuestas. El artista siguiendo un pensamiento algo hippie, se interesa sobre todo por el aspecto físico de sus esculturas, que él mismo construye sobre la marcha, improvisando a cada momento según le inspira el espacio.

En fin, me cuesta mucho definir conceptos tan abstractos, así que será mejor que veáis las imágenes, que se explican por sí mismas y que nos muestran un trabajo bastante radical y de dimensiones insospechadas que a mí me gusta mucho.

A este artista lo conocía desde hace tiempo y las fotos las he encontrado en google.


enero 7th, 2011

Luz atrapada y amenazante

Una maravillosa instalación de mi admiradísima Mona Hatoum, se llama Current Disturbance y se puede ver estos días en la Whitechapel Gallery de Londres.

Pero esta instalación no es nueva, ya que fue creada en 1996 a pesar de lo cual no ha perdido ni un ápice de actualidad  y capacidad de desasosegar.

En una sala una gran estructura de madera y alambre compartimentada a modo de jaulas dentro de las cuales hse encuentran encerradas básicas bombillas incadescentes que se encienden y desvanecen a intervalos irregulares, lo que produce que el espacio se ilumine esporádicamente dejando ver la propia instalación y lo que le rode .

Esta iluminación desacompasada, y el sonido amplificado de la corriente eléctrica, produce en el espectador una sensación generalizada de amenaza a ña vez que un espectáculo fascinante que se puede asociar tanto a la falta de  libertad como a la vida hacinada de las grandes ciudades contemporáneas.

Esta pieza que ya conocía pero la he recordado aquí, las fotos son de google.

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