noviembre 23rd, 2010

Heridas en el espacio urbano

Quería dejar al “ARTISTA” para mi post número 1.000, me faltan 10 para cumplirlos, pero después de 2 horas buscando algo que me motivase sin conseguirlo, he decidido que necesito levantarme el ánimo y que nada mejor, para ello que darme un homenaje visual en condiciones, así que voy a hacer un repasito a la obra de Gordon Matta-Clark.

Los que hayan pasado con frecuencia por el Ático sabrán,  siempre lo digo, que nada de lo que haya visto, artísticamente hablando, me ha impactado tanto como el trabajo en el espacio urbano, de este creador. Una búsqueda en google, os puede poner al día de lo que su inconmensurable obra, ha aportado al arte contemporáneo, pero, para el que no tenga ganas de indagar, os dejo un artículo de Darío Corbeira, editor del libro ¿Construir… o deconstruir? que fue publicado por el El País en el 2006.

“Su trabajo refleja desde sus comienzos su preocupación por los nuevos modos culturales en la vida cotidiana y por las nuevas subjetividades e identidades políticas posteriores a 1968: trabajando con basuras, ofreciendo oxígeno a los transeúntes de Nueva York, abriendo un restaurante gestionado y dirigido por artistas, poniendo en tela de juicio la propiedad privada del suelo… o subiéndose a la Clocktower para, colgado de su reloj, proceder a afeitarse, ducharse y lavarse los dientes.



Todas esas acciones tenían lugar en tiempo real, acotado y preciso, fuera de los sacralizados recintos de galerías o museos, pero previo a ellas realizó miles de dibujos, anotaciones y libretas de trabajo que, a la manera poussiniana, implican que concebía el dibujo como la imagen interior del proyecto. Del mismo modo, prácticamente todas sus acciones e intervenciones en edificios fueron fotografiadas, filmadas o grabadas en vídeo, y el modo en que las registraba estaba en perfecta coherencia con el discurso general que trataba de construir.



En donde realmente Matta-Clark dio el gran salto fue en sus trabajos con la arquitectura y el espacio. No veía en los edificios más que unas esculturas con tuberías y, en una sucesión de metáforas dentro de otras, buscó espacios internos más allá de la geometría construida. “La auténtica naturaleza de mi trabajo con edificios está en desacuerdo con la actitud funcionalista, en la medida en que esa responsabilidad profesional cínica ha omitido cuestionar o reexaminar la calidad de vida que se ofrece”.



Las intervenciones en edificios (cortándolos, seccionándolos, troceándolos, agujereándolos, desplazándolos) le permitieron materializar ideas sobre el espacio que él intuía desde una dialéctica personal (designar espacios, crear complejidad). Las dualidades que fue descubriendo, impecablemente reflejadas en sus montajes fotográficos (vertical/horizontal, interior/exterior, vacío/lleno) resumen en términos de experiencia estética más de 2.000 años de ideas filosóficas sobre el espacio.



Esos cortes conforman una suerte de narración gráfica y textual que explica tanto el proceso de la obra como su contexto interno. Sus viajes al subsuelo de la ciudad pretendían descubrir espacios sin nombre, lugares ocultos: “Tengo interés en una expedición al subsuelo: una búsqueda de los espacios olvidados y enterrados bajo la ciudad… Esta actividad debería sacar el arte de la galería e introducirlo en las cloacas”.



Su interés por los espacios intermedios, por los contenedores corporales y sociales, por la degradación urbana y los edificios okupados le permitieron trascender el conflicto que mantuvo con la Institución Arquitectura. Uno de los primeros episodios de dicho conflicto lo protagonizó al ser invitado a participar en una exposición en la Cooper Union. En este caso, su obra consistió en el desmontaje de las ventanas del lugar de la exposición para poner en su lugar fotografías de las ventanas reventadas de edificios degradados del Bronx, y sucedió que las ventanas fueron repuestas, la participación de Matta-Clark cancelada y que Peter Eisenman le acusó indirectamente de nazi. Este conflicto continúa hasta hoy y se hace visible cuando, por ejemplo, este artista sigue estando vetado en las bienales de arquitectura de Venecia.



Matta-Clark es el gran artista del espacio -éste fue su material de trabajo y proyecto-, de sus vacíos, no sólo del arte de las últimas décadas sino de lo que hoy conocemos como historia del arte. Muy inteligentemente estuvo al margen de las, aún hoy, difíciles -por no decir imposibles- relaciones artista/arquitecto, operando directamente sobre los sólidos construidos. “Los arquitectos construyen, los artistas destruyen”, afirmaba Dan Graham a propósito de la obra de Matta-Clark.


En todo caso, su obra, que él se encargó de definir como hermenéutica marxista, posee la belleza convulsa de un tiempo de crisis vivido desde la lucidez. Matta-Clark es un antihéroe moderno y uno de los primeros artistas de la posmodernidad. Él, en definitiva, transformó en arte lo que las organizaciones ciudadanas, partidos y sindicatos no querían, no podían u olvidaban hacer: perseverar en el proyecto moderno de emancipación. Más que poner el dedo en la llaga, hundió, con toda la generosidad imaginable, sus manos y su cabeza en las heridas sistémicas del capitalismo tardío. Por eso es un artista ineludible a la hora de entender el arte de los últimos cuarenta años.”



Amen…


También os dejo un post (ahora sin fotos) que hice hace algunos años sobre el gran artista y otros que han seguido su estela.

Vaya hoy mi homenaje al maestro, en mi casi 1.000 post del Ático.

Bueno, pues definitivamente he terminado de elevar  el listón de los artistas invitados al Ático a la cotas más alta, a partir de ahora sólo puedo caer en picado… siento de veras no poder volver a estar a la altura…

Las fotos son de Google.

octubre 13th, 2010

Seres de éste y de otros mundos…

¿Y que hago yo hablando aquí de otra cosa que no sea la impresionante instalación que  Ai Weiwei ha llevado a cabo en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern?.

Pues nada, que aunque me haya impresionado  y esté deseando is a Londres a pisar sobre esas 100 millones de semillas de girasol hechas a mano, no quiero dedicarle más tiempo del que tardo en recomendarla, ya que una búsqueda en google os dará todo tipo de información detallada y bien argumentada sobre ella.

Yo prefiero dejar algunas obras de Liqen, un artista que me gusta mucho y del que ya he hablado aquí, haciendo referencia a sus impresionantes trabajos en muros. Hoy dedicaré el post a sus dibujos, que aunque no muy fáciles de ver, derrochan virtuosismo, imaginación, humor desbordante y una buena dosis de crítica y mala leche, que como ya dije, no me dejan impasible.

He tomado algunos dibujos de su libreta en formato digital, en la que ha hecho una recopilación de “Apuntes, bocetos y dibujos rapidos hechos en distintas libretas de papel, de distintos tamaños, estan ordenados cronologicamente, comprendiendo desde 1998 hasta la actualidad. Como explica el autor, algunos dibujos pueden herir la sensibilidad… no es su intención…. ni la mia tampoco…

También he entresacado dibujos de sus series e ilustraciones, en las que con varias técnicas y estilos, pero siempre con el trazo ágil propio de una persona que domina sobradamente el dibujo, nos muestra una increible colección de personajes transgénicos, de habitantes de otras galaxias, de tipografías humanizadas, de hombres cosificados, de animales dueños del mundo, de humanos mecanizados, de seres supurando líquidos corrosivos, situados todos en escenários de ficción, en fin, de todo un catálogo de alteraciones y aberraciones físicas, que nos sumergen en un mundo decrépito, que bien podría ser, la metáfora gráfica de las deformaciones psíquicas que puede acarrear el contacto prolongado con el habitat deshumanizado, en el que en muchos casos nos toca desenvolvernos, para poder salir adelante.

Bueno, bueno, estoy dramatizando un poco, que no todo lo que hace es tan macabro como lo describo, algunos trabajos son verdaderamente  hilarantes y unos pocos resultan simpáticos y tiernos…

Las imágenes se las he cogido al artista, al que tuve el gustazo de conocer pintando en Esta es una Plaza, donde nos regaló una estupenda obra en los muros.

septiembre 17th, 2010

Batalla en los límites de la ciudad

Fotos inquietantes en las que se nos muestra cambos de batalla contemporáneos, donde lo que se esta representando es una guerra, pero no militar, sino otra igual de cruda y preocupante, la del hombre con el medio ambiente, con la industrialización, con el progreso, con el urbanismo, y todo ello captado desde la distancia, para así poder tomar la escena completa y no dejar nada sin contar.

El autor es Hin Chua, y la serie se llama  After de Fall. En ella. el fotógrafo dirige su mirada a la periféria de grandes ciudades, donde la vida urbana y la presencia del hombre empieza a desdibujarse en el entorno natural, pero que aún es patente en pequeños detalles que él nos muestra con aparente amabilidad, con gran carga estética, pero que en las que no deja de lanzarnos constantes mensajes de inquietud.


Según nos cuenta el fotógrafo, “su trabajo explora los efectos de los conflictos y colisiones que poco a poco y de manera caótica van remodelando los espacios que nos rodean, consiguiendo escenas imprevisibles y a  menudo preocupantes.


Este silencio del traspaso, la transformación de un entorno a otro, puede hablar de algo más profundo dentro de nuestra memoria colectiva: la alteración de los lugares que alguna vez conocimos, un recordatorio inexorable de la inevitabilidad del cambio …



Así este conjunto de fotos, pueden considerarse un homenaje personal e íntimo, a su personal paraiso perdido.


Buen tema para pensar este fin de semana que por fin salgo de la ciudad, espero encontrar yo misma esos rastros en mi viaje…


Lo he conocido aquí y las fotos son de autor.




mayo 18th, 2010

Paseo con luz por edificio industrial


Quiero mostraros la instalación de luz la que ha creado United Visual Artists (UVA) para conmemorar el décimo aniversario de la banda ancha en Reino Unido.

Cómo ya he hablado de ellos en el Ático me centraré en esta obra Speed of Light que como casi todas las que diseñan, está pensadas para que la gente interactúe con ella.

Hilos de luz, son el nexo de unión de una pieza que se desarrolla en 6 habitaciones del Bargehouse, un almacén de material industrial con apariencia de abandono, situado en el Southbank de Londres.

En esta instalación, el público se sumerge en la arquitectura del edificio siguendo las líneas de luz que marcan el recorrido y en que van evolucionando en forma y color para que el itinerario sea animado y sorprendente.

Para llevar a cabo la instalación han utilizado utiliza más de 150 rayos láser  con los que quieren evidenciar la presencia continua en nuestro entorno de la fibra óptica, que se utiliza en la banda ancha.

No todas las estancias han sido resueltas con la misma calidad, muchas de las piezas me recuerdan al gran maestro de la luz Carlo Bernardini que lleva muchos años dibujando con este material los espacios y la obra más sorprendente de la exposición, en la que recrean una sala de estar con todos sus perfiles arquitectónicos y en la que han dibujado en el aire un sofá con una mesa y un televisor, a base de perfiles dibujados con laser, me trae a la cabeza trabajos del maravilloso Pablo Valbuena del que no he hablado aquí porque ya lo hace todo el mundo y ya sabéis que no me gusta repetir…

Pero ya que hoy viene al hilo, no quiero dejar de menciona  su ultimo trabajo en el Matadero de Madrid Quadratura en la que me sorprendió con una pieza de luz, en la que el espacio de la Nave del Matadero Abierto x Obras, es redibujado meticulosamente, marcando todos todos sus perfiles con líneas de luz, consiguiendo, a base del movimiento de las luces que nos sumerjamos en estado hipnótico, en el interior de la nave, con la sensación de que podemos seguir andando y andando hasta desaparecer.

Impresionante instalación que me hace admirar más aun a este meticuloso artista que juega con volúmenes y formas, creando espacios ordenados y limpios dentro del desordenado, imperfecto y caótico mundo real.

La pieza de UVA la he conocido aquí y las fotos las he cogido de la web de los artistas. La de Pablo Valbuena la vi in situ y he cogido las fotos del Flickr de Matadero.

febrero 15th, 2010

Pérdida del hábitat

James Nizam es un artista interesado sobre todo con los procesos de cambio la decadencia y regeneración dentro del medio ambiente construido.

Para su trabajo fotográfico Memorandoms, se instaló en un edificio de viviendas de Vancouver abandonado y se dedicó a componer esculturas con repeticiones de materiales encontrados en el edificio, así bombillas, puertas, pomos, cajones, sillas y otro tipo de elementos constructivos estandarizados, que fue recogiendo del edificio y ensambló de manera secuencial, iban formando sus piezas efímeras, que después fotografiaba, instaladas en las distintas habitaciones, de las que fueron atractivas casas en el pasado y que hasta su demolición, se convirtieron en monumentos abandonados de la especulación inmobiliaria.

Una especial manera de documentar la pérdida o abandono del domicilio, por causas sociales y políticas que seguramente poco tienen que ver con los deseos de los habitantes que allí permanecieron y que dejaron su huella personal entre tanta estandarización.

En otras de sus series fotográficas, que me interesan menos, sigue mostrando la misma fascinación por lo abandonado, dando su visión poética de eso escenarios que tan de moda se han puesto en los últimos tiempos… Algunos de sus trabajos son con cámara oscura, otros pintando con luz sobre las paredes para resaltar lo que le interesa.

Lo he conocido aquí, las fotos son de Gallery Jones.















This work is licensed under GPL - 2009 | Powered by Wordpress using the theme aav1