Me resulta gratificante pararme en las menudencias del día a día, me satisface sobremanera, sobre todo si me topo con circunstancias casuales o fuera de lugar, pequeñas cosas que están mal o que se descomponen por el paso del tiempo, eso me lo apropio en forma de imágenes en mi móvil.
Y no soy la única que se fija en estas cosas, hace tiempo sí creía que era original, hasta que llegó Instagram y me desveló que todo el mundo anda la caza de sus #desordenesurbanos, como yo los llamo, (creo que merecen tener nombre, vista la profusión).
Pero hay gente que además de observar las insignificancias, las interviene para hacer de ella algo casi mágico, y me causa tanta admiración esa habilidad, por no decir envidia, que doy vueltas a la cabeza para ver cómo yo misma puedo pasar de mero observador pasivo, a activista de lo cotidiano.
Mientras lo consigo… o no.., dejo aquí un divertimendo del artista Mathieu Tremblin que me ha provocado un calorcito en el corazón.
La pieza se llama Parking Tickets Bouquet y como su nombre indica, se trata de un ramillete de papiroflexia hecho con tickets de parking, bueno, más bien son multas de aparcamiento, encontrados en los parabrisas de los coches de alguna calle belga.
Esto es todo, y es mucho… por lo que sin mas que decir, os invito a ver mas acciones de este artista callejero, que tienen su gracia.
Preocupada que anda una por lo dañinas que pueden llegar a ser algunas obras de arte destinadas a perdurar en el tiempo y en el espacio. Sobre todo si son grandes y se hace de ellas un uso malintencionado, o peor, si su carácter bienintencionado las convierte en un estandarte de esto y de aquellos…
Que dios me aleje pronto (negaré haberlo dicho) de ese arte que llegó para intenta solucionar cuestiones vitales del individuo, que está exento de cualquier atisbo de sentido del humor pero sí lleno de consignas que impiden valorar objetivamente su calidad y que ojalá, como llegó, se vaya la próxima temporada, o las próximas elecciones.
Siento la simplicidad.
Por temas como estos, cada vez miro con mas arrebato todo lo que huele a accidental, lo que esta destinado a durar una exhalación y no pretende servir para otra cosa que para causar disfrute al artista y a quien tuvo la suerte de presenciar el momento de su desaparición. Nada nuevo, desde luego.
Pensando en un trabajo que me encandile en ese sentido, me ha parecido oportuno dejar por aquí al gran Roman Signer, valeeeee, que es muy conocido, pero para los que no sepa qué hace, diré que alguien describió su trabajo como «un amplio registro de acciones seducidas por el accidente». Suena bien no?.
Me resulta muy complicado definir con propiedad su trabajo, la cosa tiene miga, por lo que esta vez echaré mano de palabras de otros o de las suyas propias para poder contarle.
Según leo ensu web, en sus esculturas de tiempo (así define su trabajo) investiga la transformación de los materiales a través del tiempo, enfocando la atención del espectador en la experiencia del evento, los cambios realizados y las fuerzas involucradas.
Combinando diversos objetos tridimensionales, acción en vivo, fotografía fija e imágenes en movimiento, las esculturas temporales de Signer enmarcan episodios de contención y liberación de energía, siempre con ingenio, a menudo con cautivadora rapidez y humor irresistible.
En esta entrevista que le hizo El Cultural en el 2010, logran aproximarse de manera bastante delicada al trabajo de Roman, yo entresaco aquí párrafos.
«Roman Signer parece un aprendiz de mago en cada uno de sus vídeos e instalaciones, que se caracterizan por una simplicidad desconcertante y por un resultado imprevisible. Un amor dadaísta por el absurdo.
Las historias que cuenta Signer nacen del instinto y la liberaciónque da el hecho de no atender a horarios, ni calendarios, ni modas. Asimismo, de una biografía marcada por haber vivido en una parte de Europa proclive a la observación de fenómenos devastadores, por las largas caminatas por la montaña con su padre, por los juegos fortuitos con los objetos de metal que le prestaba su abuelo, por los experimentos con explosivos a los que le instaba su tío, jefe de bomberos, con los petardos de su pequeña tienda…
Roman Signer es como el Buster Keaton del arte: igual de inconsciente a la hora de encarar situaciones de riesgo.
Tal vez sea una coincidencia, pero empecé a grabar en el mismo momento en que empecé a trabajar con explosivos. Entonces, no sabía nada de cine. Justo me acababa de comprar una Super 8 y un proyector. Las primeras cosas que grabé fueron explosiones de objetos, que tenían para mí un valor escultórico”.
Mi formación es la de escultor, aunque yo me considero un científico y un aventurero.
Me interesa lo efímero porque es una forma de tiempo que me intriga. Además, hay algo de trágico, algo que pasa y se acabó. Me gusta la fuerza, la velocidad.
-Imaginar lo que puede llegar a suceder es lo emocionante del arte. Aunque no me decepciona si algo no sucede del modo que lo imagino. Al contrario, eso me da nuevas ideas.
El azar es importante, así como el suspense y la incertidumbre.
-No aparezco en mis obras de una manera exhibicionista ni como el típico performer que toca la flauta durante horas, haciendo un poco de humo aquí y allá. Lo que yo hago no es arte escénico. Más bien realizo un proceso de iniciación. A veces de sufrimiento, a veces de limpieza.
-Para mí el arte es el silencio tras una explosión. Algo inmenso y espeluznante.
En cuanto a los objetos, me gusta su función múltiple, las muchas posibilidades que ofrecen, aunque no en el sentido de los objets trouvées de Duchamp. No me interesa presentar un objeto y decir: “esto es arte”. En mi obra, los objetos tienen siempre una función y una estrecha relación conmigo.
¿Cree que su trabajo sigue siendo actual? Pues no sé…¡Espero que sí! Como artista espero no estar completamente desfasado».
No me negaréis que salen algunas frases de esas que tanto gusta publicar en FB. De mi cosecha diré que lo que Roman hace es un delicioso divertimento artístico, y lo que hacen/mos muchos otros… puro engreimiento.
Ya lo conocía y las fotos y videos las he cogido prestadas de san google.
Imágenes engañosas que sirven de llamamiento a la pandemia de deshechos plásticos que enferma a todo el planeta, nada mejor para ilustrarlo que las fotografías deMandy Barker.
Esta mujer trabaja codo con codo con científicos de todo el mundo para recolectar basura de playas y océanos, una vez en su estudio, fotografía los deshechos encontrados y con photoshop crea composiciones, con las que trata de reproducir la forma en la que el agua del océano mantiene estos objetos en suspensión.
El espectador, al mirar sus fotos, ve constelaciones, planetas, explosiones de color, y todo tipo de composiciones visualmente muy impactantes pero que en realidad están formados por basura de los océanos.
Cada serie esta inspirada en diferentes problemas relacionados con el plástico que ha ido detectando a lo largo de sus viajes y normalmente están llevadas a cabo con materiales de uso local, que ella recolecta y clasifica meticulosamente por temáticas.
La mayoría son pequeñas piezasque los animales han intentado masticar, hay bolas de plástico, balones de futbol, todo tipo de basura contemporánea, mucha manufacturada en china botellas de plástico y muchos otros objetos que llevan flotando años en el mar y que aun no se ha terminado de descomponer.
La artista lo cuenta así: «El objetivo de mi trabajo es involucrar y estimular una respuesta emocional en el espectador al combinar una contradicción entre la atracción estética inicial junto con el mensaje de concienciación.
El proceso de investigación es una parte vital de mi desarrollo ya que las imágenes que hago se basan en hechos científicos que son esenciales para integridad de mi trabajo.
El impacto de los desechos oceánicos es un área que he documentado durante más de 8 años y me he comprometo a trasmitir a través de mi interpretación visual. En colaboración con la ciencia, espero que conduzca finalmente a una acción positiva para abordar este creciente problema ambiental que ya es la preocupación mundial actual. »
Sus trabajos, como ya he dicho, son de gran impacto visual, y no es que me rechiflen, quizás por la espectacularidad de los resultados y porque son demasiado evidentes, pero uno, solo de ellos me ha motivado para hacer este post.
Se trata de la serie Beyond Drifting: Imperfectly Known Animals mas íntima y sugerente que el resto y en la que mediante una representación casi en blanco y negro simulando el formato de los espécimen de microscopio, nos hace creer que estamos delante de una visión aumentada de distintos tipos de plancton marino. En realidad se trata de trozos de plástico que ha recogido en las costas de Cobh, en Irlanda.
Estos materiales los ha fotografiado sobre un fondo oscuro y sobreexponiéndolos ha conseguido simular que flotan en movimiento, el negro del fondo nos hace pensar en la profundidad mas oscura del océano.
Para desarrollar esta serie se basó en los estudios del biólogo naturalista John Vaughan Thompson, que trabajó en esta zona de Irlanda allá por el 1800. El se dedico a estudiar el plancton y animales marinos que él consideró imperfectos. Escribió un libro sobre ellos, del cual la artista ha tomado el nombre para su serie, «Zoological Researches, and Illustrations Or Natural History Nondescript Or Imperfectly Known Animals», y que podéis ver aquí.
El trabajo final, bajo la influencia de John Vaughan, se presenta como un viejo libro de ciencias, que además de reflejar la situación actual con respecto a la ingesta de plástico de los organismos, también incluye descripciones y figuras registradas por el biólogo en sus memorias. Para mi gusto, esto del formato libro antiguo es un poco excesivo, e innecesario.
Por lo demás, tengo que reconocer, que con sus imágenes manipuladas, ha conseguido dar forma a una bonita metáfora para evidenciar un problema tan serio, mostrándonos de manera delicada, la ubicuidad del plástico en esta era antropocénica, encapsulando en miniatura, el problema de un mundo imperfecto, en el que el plástico que se come el plancton, finalmente acaba llegando a nuestro cuerpo con la ingesta de pescado, lo que acabará pudrirnos, lo mismo que nosotros estamos haciendo con la naturaleza.
Del plástico venimos y en plástico nos convertiremos, y si no, al tiempo…
La fotógrafa, muy popular, ya la conocía y las fotos las he sacado de google.
G
M
T
Text-to-speech function is limited to 200 characters
Los trabajos de Kate Newby me tienen encandilada, y desde que los descubrí, no hace tanto, me sorprendo tratando de encontrar en los #desordenesurbanos que meticulosamente catalogo en mis paseos diarios, coincidencias con el trabajo de la artista.
Y es que sus piezas encajan a la perfección con lo que me apetece mirar y admirar, un tipo de trabajo sensible con el entorno y de sorprendente levedad en la ejecución, un canto a las minucias… casi nada!!!!!
A golpe de sutileza poética, la artista es capaz de hacernos quedar enganchados a delicados montajes que de no estar en la galería, fácilmente podrían confundirse con azarosos accidentes en el paisaje que solemos pasar por alto, pero que son los que acaban dando identidad a los escenario en los que nos movemos.
Lo que esta mujer nos presenta, es una recreación mejorada de pequeños detalles de la vida real mirados desde muy cerca, y que al estar situados en un espacio expositivo, adquieren un valor inusitado. Una vez vistos a través de su mirada, nosotros mismos trataremos de encontrarlos a nuestro alrededor y para ello nos toca miran con mas detenimiento e intención, o algo así es lo que a mí me ha pasado.
Crea piezas muy variadas, resueltas con todo tipo de materiales de uso cotidiano, telas, guijarros, vidrio, cuerdas, cemento, Todos se pueden encontrar en la calle, ella consigue dignificarlos.
Pero, las que a mí más me interesan, son las que lleva a cabo con ladrillos rústicos con los que forma una plataforma ordenada sobre la que coloca sus «esculturas mínimas». Otras veces directamente interviene en ellos, grabando a mano huecos en los que suele insertar objetos.
Estos elementos, muchas veces los encuentra en la calle y en otras ocasiones los compra, pero en cualquier caso, es importante que vengan de cerca.
Estudia minuciosamente el entorno, y se detiene sobre todo en escenas de carácter efímero en las que suelen estar reflejados los usos que el hombre hace de su espacio, después trata de recomponerlas a través de una interpretación personal de los materiales implicados.
Clavos, monedas, anillas de latas, vidrios rotos, maderas, hierros, plásticos y objetos inservibles del entorno son muy frecuentes en su trabajo, otras veces copia la forma de estos objetos de uso común y los reproduce con otros materiales, plata, metal, bronce, arcilla, latón… En ocasiones, también inventa ella misma piezas, que se puedan insertarlas en los huecos que previamente ha creados en los ladrillos.
Después, los muestra al publico, jugando con el espacio expositivo, difuminando los limites para conseguir que trabajo y entorno se mezclen, y en este juego consigue implicar al espectador que intentará descubrir dónde está la creación y qué es lo que ya formaba parte del paisaje. Para disfrutar de este juego, sólo se requiere sentido común y sensibilidad.
Como mis explicaciones pueden ser muy básicas, es lo que hay, os dejo un texto mas sesudo que acompaña a su exposición en la Galería Lulu: «A menudo, apropiándose de los materiales y lo vernáculo de la arquitectura, Newby crea intervenciones escultóricas hechas a mano, que funcionan simultáneamente contra y, a su vez, con las condiciones de un ambiente dado. Evocando tanto las cualidades físicas como líricas de los materiales (usualmente mundanos, materiales corrientes como hormigón, textiles así como cerámica), su trabajo prevé un encuentro y dispone una acción –colapsando y confundiendo las líneas entre proceso y producto, el hacer y el documento.
Siguiendo su inclinación traviesa por dejar el espacio de exhibición, Newby ha creado una serie de intervenciones que se circunscriben pero a la vez van más allá del espacio habitual, el cubo blanco de Lulu, para discretamente fugarse en los alrededores.
Esta inclinación tiene poco que ver con un aire de rebeldía o de Crítica Institucional y más que ver con un rechazo explícito a situar un encuentro prefijado con el arte (es decir, como un fenómeno meteorológico). Newby busca, mejor dicho, poner en relieve, incidentalmente, las condiciones que ayudan y son cómplices de ello, la manera, digamos, en que los detalles o hechos potencialmente olvidables de un filme pueden intervenir en su trama.
A la vez cándido, simpático, y modesto casi al borde de lo imperceptible, lo que hace puede ser fácilmente confundido con un interés en lo cotidiano. Pero el trabajo de Newby no proclama necesariamente tener algún título especial o conocimiento sobre lo cotidiano, como la apreciación de lo extraordinario en lo ordinario. Está más interesada en preservar un cierto dejo, una apertura que provoca que ese tipo de percepciones sucedan».
Un trabajo que me gustaría contemplar físicamente… pero por ahora me tendré que conformar con encontrar similitudes en los desordenes de mi calle.
Lo vi aquí y las fotos las tomé prestadas de su web y de san google.
Con estos calores y contaminaciones, dan ganas de ponerse a vivir en espacios abiertos en los que corra el aire, mucho más que estar encerrado en casa, pegado al ventilador. Yo me quedaría a dormir en la placita frente a mi taller, uno de los sitios donde el verano es mas amable de Madrid. Las cañitas y los tintos de verano también ayudan.
Y hablando de hacer del espacio publico un hogar en toda regla, pienso en Thierry Mandon, un artista que se dedica a apropiarse de la calle de una manera poco invasiba, para hacer en ellas cosas tan cotidiana como acostarse y leer un libro, sentarse delante de la mesa de la cocina a tomar un vino a la luz de una lámpara, ver un partido frente al televisor, o cuidar sus plantas y embellecer su entorno.
Según cuenta el artista en su página: «Utiliza el vídeo, la fotografía, la performance y la instalación para expresar la naturaleza poética de la vida cotidiana, para hacer transformaciones sutiles, donde el espectador encuentre a la vez aspectos trágicos y cómicos de su existencia.
El personaje, una especie de arquetipo del individuo, se presentan en situaciones improbables, incómodas y absurdas. Se enfrentan con espacios de tiempo incompatibles, su condición humana, su límite, su debilidad o su poder creativo.
Estos temas dan como resultado trabajos en los que frecuentemente aparecen dos elementos, dos mundos planteados en un equilibrio precario; a menudo en busca de armonía, de una unidad estable entre el hombre y su entorno.
No todos sus trabajos están a la misma altura creativa, para mi gusto, pero bueno, un soplo de aire fresco es un soplo de aire fresco, y con estas temperaturas se agradece.
Me han entrado ganas de irme al campo a hacer mis propias performances, algo así como meterme en agua helada de la garganta y dar saltitos de frío.
Conocía la obra de este artista no sé bien por qué medio y las fotos las he sacado de su página web.
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